Locas por el dinero ( Mad Money) un estreno de pelicula

Victor Hugo Juarez
guatemalanoticias@gmail.com


Bridget Cardigan es un ama de casa de clase media que aparentemente vive el sueño americano, con una casa en una urbanización, con jardín y criada. Un año y medio después de que su marido, Don Cardigan, haya perdido su trabajo de director en una gran empresa –y su mujer todavía no lo sabe–, el matrimonio está a punto de perderlo todo, incluida la casa.

Cuando Bridget lo descubre, se busca un trabajo en el Banco de la Reserva Federal; de conserje, el único puesto para el que está cualificada. Allí conoce a Nina Brewster, una madre soltera y trabajadora que vive en los suburbios con sus dos niños. Nina se pasa el día alimentando una trituradora con millones y millones de dinero viejo y deteriorado. A pesar de ser una empleada trabajadora y de confianza que lleva muchos años en el puesto, como les sucede a muchos empleados, Nina vive al día. No le llega para ahorrar ni un céntimo.

En cuanto Bridget convence a Nina de que se plantee participar en el plan para apropiarse de algo de dinero de la Reserva Federal, ambas buscan una tercera cómplice, una de las empleadas que transporta las carretas de billetes. Finalmente, eligen a Jackie Truman, una muchacha joven, de espíritu libre que no necesita más argumentos para unirse a la trama. Las tres forman un equipo indivisible al darse cuenta de que cada una posee un elemento clave para conseguir todo el dinero que siempre habían soñado o necesitado… pero sólo si trabajan juntas.


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ÁNGELES Y DEMONIOS una pelicula muy especial

Victor Hugo Juarez
guatemalanoticias@gmail.com

El equipo responsable de ese fenómeno global conocido como The Da Vinci Code regresa para la altamente anticipada Ángeles y Demonios, basada en el best seller de Dan Brown. Tom Hanks encarna de nueva cuenta al experto en símbolos de Harvard, Robert Langdon, quien descubre que ciertas fuerzas antiguas están al acecho, y que sus representantes no recusaran ningún método, incluso el asesinato, a fin de colmar sus objetivos. Ron Howard funge una vez más como director de esta cinta.

¿Qué terrible descubrimiento podría hacer que el Vaticano llamara a Robert Langdon, el hombre que pudo descifrar el código más controvertido de la historia? Cuando Langdon descubre cierta evidencia que indica el resurgimiento de una hermandad secreta conocida como los Illuminati – la organización subterránea más poderosa de todos los tiempos – también cae en la cuenta de la amenaza mortal que este hecho supone para la Iglesia Católica, el enemigo más despreciado de esta sociedad secreta. Tras enterarse de que las manecillas del reloj avanzan y que en poco tiempo una bomba prácticamente imparable estallará, Langdon es convocado a Roma, en donde suma sus esfuerzos a los de Vittoria Vetra, una hermosa y enigmática científica italiana. Embarcándose en una cacería incesante y repleta de acción a través de criptas selladas herméticamente, catacumbas peligrosísimas, catedrales abandonadas e incluso el centro de la bóveda más escondida de todo el planeta, Langdon y Vetra seguirán un Sendero de Iluminación de cuatrocientos años de antigüedad que, desgraciadamente, representa la única esperanza del Vaticano.


QUIÉN ES QUIÉN EN ÁNGELES Y DEMONIOS
Ángeles y Demonios comienza con la muerte de un Papa y con el antiquísimo ritual del Cónclave, que es un proceso mediante el cual el Colegio de Cardenales elige a un nuevo Santo Padre. Algunos cardenales son llamados prefereti, es decir, aquellos susceptibles de ser elegidos para ocupar el lugar vacante. El proceso es famoso sobre todo por el manto de confidencialidad que lo recubre, ya que los cardenales permanecen apartados hasta la conclusión de este importante trabajo. La única comunicación con el exterior es el humo que sale de la Capilla Sixtina. El humo oscuro indica que dos tercios de los votos aún no han sido dados, y el humo blanco (y, de manera más reciente, el repicar de campanas) señala que se ha logrado una mayoría de votos y que, por ende, un nuevo Papa ha sido electo.

El Camerlengo es un personaje del Vaticano que desempeña tareas muy específicas. Es él quien certifica la muerte del Papa y quien destruye el anillo Papal con el sello oficial, también conocido como el Anillo del Pescador. Hasta el día de la elección de un nuevo Papa, el Camerlengo asume el papel de cabeza de estado en la Ciudad del Vaticano.

La Guardia Suiza ha protegido tanto al Papa como al Colegio de Cardenales al interior del Vaticano desde el 22 de enero de 1506. Esta guardia es famosa porque sus integrantes no ven su trabajo como una obligación sino como un llamado. A fin de ser reclutado como Guardia Suizo, el aspirante debe ser un hombre católico y soltero, su edad debe oscilar entre los 19 y los 30 años, debe tener una altura de cuando menos cinco pies con ocho pulgadas, y haberse graduado de la preparatoria y del entrenamiento básico recibido en la Armada Suiza, además de ser ciudadano suizo.


Los deberes policíacos generales de la Ciudad del Vaticano son desempeñados por la Gendarmería. Estos policías se ocupan de resguardar el orden público, el tránisto… y de las pesquisas concernientes a los secuestros y asesinatos, entre otras cosas.

En Ángeles y Demonios, todos estos grupos, así como los oficiales del Vaticano, se ven forzados a actuar cuando la hermandad de los Illuminati secuestra a los preferiti y amenaza con asesinar a uno por hora y con detonar una bomba como culminación de su plan. La historia ‘oficial’ detrás de los auténticos Illuminati señala que esta sociedad secreta fue fundada en Bavaria en 1776 por más de 2,000 ‘librepensadores’ provenientes de las más altas esferas del arte, la ciencia y el gobierno. El grupó se separó oficialmente a finales del siglo XVIII.

Sin embargo, algunos creen que las raíces de esta sociedad son mucho más profundas – y que los Illuminati han existido desde el siglo XVI básicamente a causa de una extrema preocupación por los prominentes conflictos entre la Iglesia y los científicos de esa época. En el argumento de Ángeles y Demonios, estos Illuminati o “Iluminados” fueron obligados a permanecer en la clandestinidad y desaparecieron del radar hace poco más de un siglo. Desde entonces, el grupo se tornó vehementemente anti-católico y comenzó a adorar a los cuatro elementos – la tierra, el aire, el agua y el fuego. Estos hechos constituyen el escenario para la emocionante historia que se desarrolla a lo largo de la película.

Algunas personas de carne y hueso aseguran que los Illuminati aún existen – y en Internet abundan los artículos, videos e historias acerca de esta sociedad. Entre las teorías que pueden encontrarse en la Red hay algunas historias que sugieren que los Illuminati controlan los sucesos internacionales, ocupan puestos importantes y se encuentran creando un Nuevo Orden Mundial que reemplazará a los gobiernos individuales con un gobierno autónomo y global dirigido por los ‘iluminados’.

ACERCA DE LA CINTA
Tras haberse sumergido en una aventura que lo enemistó con la Iglesia Católica y con dos mil años de historia sagrada, Robert Langdon está de regreso en Ángeles y Demonios – y en esta ocasión tendrá que situarse en el corazón mismo del Vaticano a fin de intentar salvar a la Iglesia de la furia de uno de sus enemigos más antiguos: los Illuminati.

“Langdon hace su aparición en Ángeles y Demonios consciente de la gélida relación que mantiene con el Vaticano a causa de los sucesos de The Da Vinci Code”, comenta Tom Hanks, quien interpreta por segunda vez al formidable Profesor Langdon. “Él conoce muy bien los rituales de la Iglesia, así como su historia, pero esto no lo convierte necesariamente en una persona a la que el Vaticano le guste recibir con los brazos abiertos. En esencia, hay una lucha por el poder en el Vaticano que se oculta detrás del escamoteo de la elección papal, así que, a pesar de su historia con la Iglesia, Langdon ha sido llamado para corregir este estado de cosas”.

“El Vaticano está siendo atacado en su momento más vulnerable”, dice el director Ron Howard, quien ha regresado al mundo de Dan Brown tras haber dirigido ese fenómeno cinematográfico de proporciones planetarias conocido como The Da Vinci Code, que en 2006 lograra recaudar más de $750 millones de dólares alrededor del mundo. “El Vaticano se encuentra inmerso en un ritual llamado Cónclave, que no es más que el periodo que los cardenales aprovechan para elegir un nuevo Papa. Como ellos han recibido una amenaza de muerte y otra de bomba, llaman a Robert Langdon, el único que posee la pericia y la habilidad para develar el misterio, entender los símbolos y quizá frenar el desastre. Para el Vaticano, él no es un hombre confiable, pero, desgraciadamente, es la única persona apta”.

En Ángeles y Demonios, Langdon intenta frustrar a los Illuminati – una organización muy antigua – así como los planes que éstos tienen para hundir al Vaticano. Para Howard, esta idea era perfecta para crear un villano espléndido, así como un antagonista a la altura de Robert Langdon. “Cuando leí la novela, me sentí cautivado por la noción de los Illuminati”, explica Howard. “Una sociedad secreta que, supuestamente, contaba con miembros de la talla de Galileo y Bernini. ¿Qué les pasó? ¿Fueron realmente aplastados? ¿Desaparecieron? Algunos están convencidos de que la organización ha logrado sobrevivir, pero clandestinamente, y que desde la oscuridad ejerce una tremenda influencia sobre nuestra vida cotidiana, sobre las decisiones políticas y las estrategias corporativas”.

“En nuestra historia, los illuminati han regresado para vengar una afrenta de más de cuatrocientos años de antigüedad”, dice el productor Brian Grazer. “Los Illuminati han secuestrado a cuatro cardenales – los candidatos predilectos, precisamente – e incluso amenazan con destruir tanto el Vaticano como la ciudad del Vaticano. Las autoridades de esta ciudad han decidido llamar a Robert Langdon – que para ellos no es más que un viejo enemigo – porque sólo él puede ayudarles en estos tiempos de crisis. Sólo Langdon podría descifrar los misteriosos códigos de los Illuminati, que guardan una extraña relación con los viejos símbolos de la tierra, el aire, el agua y el fuego”.

Ángeles y Demonios supone la primera ocasión que Howard retorna a un personaje. “Nunca quise hacerlo en el pasado porque lo único que me interesa es la creación de nuevos territorios”, dice Howard. “Pero Ángeles y Demonios es sinónimo precisamente de esto – a pesar de que Robert Langdon ocupa nuevamente el lugar central, la cinta no se parece en nada a The Da Vinci Code, y esto me permite ejercitar un nuevo conjunto de músculos cinemáticos. Esta nueva cinta posee un ritmo distinto, otro tempo y otra clase de impulso. Es, casi literalmente, una bomba de tiempo y un thriller que parte de un misterio completamente original. Estas características se transformaron en requisitos que, como director, me condujeron a un abordaje completamente novedoso”.

Hanks también se sintió a gusto reagrupándose con Ron Howard. Ángeles y Demonios representa su cuarta colaboración, precedida por The Da Vinci Code. “Nada puede desconcertar a Ron”, dice Hanks. “Y por supuesto que jamás se sentiría perturbado por tener que filmar frente al Panteón Romano, con cientos de turistas deambulando por las inmediaciones. Ron encontró pequeños callejones solitarios para las escenas que debían ser filmadas en tardes calurosas. Las muchedumbres solían ser muy intensas, pero él estaba tan concentrado en su trabajo que ni siquiera acusó recibo de su presencia.”

ACERCA DE CERN
La trama de Ángeles y Demonios inicia su recorrido en CERN, el laboratorio de partículas ubicado en Génova. “Lo que acontece en CERN no es otra cosa que una de las exploraciones más osadas de la historia”, comenta el director. “Lo que me parece realmente increíble es que Dan Brown escribiera su novela en una oficina en CERN, hace diez años – y, ahora, una década más tarde, CERN es noticia, ya que todo mundo habla acerca de las experimentos que se realizan en este lugar. Esto demuestra la capacidad que tiene esta autor para adelantarse a su tiempo”.

CERN es uno de los centros de investigación científica más grandes y respetados del mundo. Su especialidad es la física, el origen del Universo, la materia y su funcionamiento. En CERN, los instrumentos científicos implementados en las investigaciones sobre los elementos básicos de la materia – esto es, las partículas elementales - son los más grandes y complejos del mundo. Mediante la observación de lo que ocurre cuando estas partículas colisionan, los físicos aprenden unas cuantas cosas novedosas acerca de las leyes de la Naturaleza.

Los instrumentos utilizados en CERN son los aceleradores de partículas y los detectores. Los aceleradores lanzan rayos de partículas que se transforman en altas cargas energéticas antes de chocar entre sí o contra blancos estacionarios. Los detectores observan y registran los resultados de estas colisiones.
Fundado en 1954, el laboratorio se encuentra muy cerca de la frontera entre Francia y Suiza, en las inmediaciones de Génova. Fue una de las primeras empresas creadas conjuntamente por algunos países de Europa, y actualmente cuenta con más de veinte Estados Adscritos.


El Gran Colisionador de Hadrones (GCH) es un gigantesco instrumento creado por los científicos de CERN. Se encuentra muy cerca de Génova y recorre la frontera de Suiza y Francia. Es un acelerador de partículas que sirve para estudiar las partículas más ínfimas – es decir, el fundamento de todas las cosas.

Dos rayos de partículas subatómicas llamados “hadrones” – protones o iones de plomo – viajan en direcciones opuestas dentro del acelerador circular, acumulando energía con cada vuelta. Los físicos utilizan el GCH para recrear las condiciones que sucedieron al Big Bang provocando una colisión entre los dos rayos. Algunos equipos internacionales conformados por físicos analizarán las partículas creadas en las colisiones utilizando detectores especiales.

FILMANDO EN ROMA
La producción comenzó en Roma, en donde, durante un mes, Ángeles y Demonios fue filmada en locaciones tan famosas como la Piazza del Popolo, la Piazza Navona, el Castel St. Angelo, en las inmediaciones de la hermosa y barroca Iglesia de Santa Susanna y en las mismas calles de la ciudad. En cada punto, el equipo de producción se sintió incentivado por cientos de turistas curiosos y de nativos entusiastas.

De las obras de Rafael, Miguel Ángel y Bernini hasta los obeliscos que atraviesan los cielos de las numerosas piazzas, pasando por las estatuas que indican el camino hacia secretos guardados bajo llave, las claves incluidas en los libros de Dan Brown podían hallarse en cualquier lugar. Y era imposible ignorarlas – al igual que a los miríadas de turistas que, por supuesto, habían viajado a Roma con la intención de disfrutar del renombrado arte y de los atractivos sitios de la ciudada, pero que enseguida añadieron el rodaje de Ángels y Demonios a su itinerario vacacional. Tal y como The Da Vinci Code dio origen a una industria vacacional relacionada con los contextos franceses incluidos en el libro, Ángeles y Demonios ha hecho lo mismo por Roma, con cientos de turistas pagando por recorridos guiados a lo largo del Sendero de la Iluminación. Una ‘simple’ toma de Tom Hanks y Zurer caminando por la Piazza Della Rotonda rumbo al Panteón, atrajo a cientos de espectadores que por lo general daban la espalda al templo Románico y se mantenían de pie hombro con hombro afuera del pórtico, tan sólo para observar y fotografiar la filmación.

Uno de los desafíos más terribles que Totino y Rafael E. Sánchez, encargado de iluminación, tuvieron que afrontar durante su estancia en Roma ocurrió en el Castel Sant’Angelo. Construido por el Emperador Adriano en el año 128 y destinado a ser su propia tumba, el Castel Sant’Angelo ha sido prisión, fortaleza y residencia papal. El puente que lleva a este sitio ostenta una falange de estatuas de ángeles, algo muy típico en Roma, pero para el trabajo ncoturno realizado en Ángeles y Demonios, cada escultura recibió su propia arreglo de iluminación. Y el equipo de Sánchez se dedicó con ahínco a iluminar el Castel de manera espectacular.

Totino asegura que Sánchez fue quien sugirió iluminar el Castel, ayudando así tremendamente al equipo de producción, que debía realizar demasiadas tareas en únicamente dos noches.

“El trabajo realizado en el Castel Sant’Angelo resultó extenuante y en realizad constituyó una especie de rompecabezas a causa de las extremas limitaciones en lo concerniente a los permisos e incluso a las vigas y andamios que construimos ahí. Durante nuestra búsqueda de locaciones, Rafael sugirió implementar iluminación arquitectónica, que resultó ser de gran ayuda. En otras palabras, trabajamos en una iluminación general, en vez de hacerlo pieza por pieza. De esta forma logramos una contención peculiar. Las noches eran muy cortas y nosotros debíamos filmar unas tomas en el puente y en la entrada durante la primera, e interiores a lo largo de la segunda. Teníamos que entrar y salir, así que este estilo de iluminación nos brindó la mejor de las ayudas”, comenta Totino.

El trabajo nocturno realizado en exteriores en el Castel Sant’Angelo incluía algunos helicópteros equipados con potentes faros así como un cuerpo de policía distribuido en una cierta cantidad de vehículos, con las sirenas ululando y las luces encendidas. Aunque esto resultó muy entretenido para las inevitables hordas de turistas, en el Vaticano, que se encuentra conectado por un pasaje al Castel, el barullo seguramente constituyó una gran fuente de pesar y malestar.

ACERCA DEL ELENCO
TOM HANKS (el Catedrático Robert Langdon) se convirtió en el primer actor en cincuenta años en ganar dos Premios consecutivos de la Academia al Mejro Actor : uno por su encarnación del abogado enfermo de SIDA en Philadelphia (1994), y un año más tarde por su participación en Forrest Gump. Asimismo ganó un par de Globos de Oro a causa de estas mismas actuaciones, y otros más por su desempeño en Big y Cast Away.

Tras mudarse a Nueva York wn 1978, Hanks se sumó a la Riverside Shakespeare Company antes de hacer mancuerna con Peter Scolari en la comedia televisiva “Bosom Bodies” (ABC). Esto le condujo a desempeñar el papel estelar en Splash, su primera colaboración con el director Ron Howard. En 1988, la Los Angeles Film Critics Association le entregó un Premio al Mejor Actor gracias a su trabajo en Big y Punchline.

Tras sumarse de nueva cuenta al equipo de Ron Howard durante el rodaje de Apollo 13, Hanks fungió como productor ejecutivo, escritor, director y actor en “From the Erath to the Moon” (HBO) – un drama de doce horas que exploró el programa espacial Apolo y que tiempo después fue premiado con un Emmy.

En 1998, Hanks protagonizó Saving Private Ryan, del director Steven Spielberg, por la que fue nominado cuatro veces para un Oscar. Un año después apareció en The Green Mile, escrita y dirigida por Frank Darabont y basada en la novela dividida en seis partes de Stephen King.

En 2000, Hanks volvió a formar equipo con el director Robert Zemecki y con el guionista William Boyles, Jr. en Cast Away, por la que nuevamente fue nominado para un Oscar.

En 2000 trabajó de nuevo con Steven Spielberg, fungiendo como productor ejecutivo, escritor y director de otra miniserie épica, “Band of Brothers” (HBO), basada en un libro de Stephen Ambrose. La miniserie fue transmitida en el otoño de 2001 y recibió críticas excelentes, lo que le condujo en 2002 a recibir un Emmy y un Globo de Oro a la Mejor Miniserie.

En 2002, Hanks protagonizó Road to Perdition, en la que comparte pantalla con Paul Newman y Jude Law bajo la dirección de Sam Mendes. A esta producción le siguió Catch Me If You Can, de Steven Spielberg y con la participación de Leonardo DiCaprio. Esta cinta está basada en las hazañas reales del afamado ‘hombre internacional’ Frank Abagnale, Jr.

Hanks se sumó por tercera vez al equipo de Spielberg en The Terminal, coestelarizada por Catherine Zeta-Jones, y a ésta le siguió la comedia negra The Ladykillers, de los hermanos Coen. En noviembre de 2004, Hanks protagonizó una adaptación del libro infantil The Polar Express, de Chris Vam Allsburg. En esta cinta volvió a hacer mancuerna con el director Robert Zemicks.


En 2006, Hanks fue visto interpretando a Robert langdon en la adaptación cinematográfica deThe Da Vinci Code, del novelista Dan Brown. Este proyecto fue capitaneado por Ron Howard y contó con las actuaciones de Audrey Tautou, Paul Bettany, Ian McKellen y Jean Reno.


Nacido en Escocia, EWAN McGERGOR (el Camerlengo Patrick McKenna) comenzó a actuar con la compañía del Perth Repertory Theatre, y seguía siendo estudiante cuando le ofrecieron el papel principal en la serie “Lipstick on your Collar” (BBC), de Dennis Potter. Desde entonces ha trabajado sin descanso.

En 2001, McGregor y Nicole Kidman estelarizaron el musical Moulin Rouge!, de Baz Luhrmann. Ese mismo año, el actor trabajó en Black Hawk Down, de Ridley Scott.


McGregor protagonizó asimismo Deception, coestelarizada por Michelle Williams, así como Cassandra’s Dream, dirigida por Woody Allen y coprotagonizada por Woody Allen. Además, McGregor desempeñó papales estelares en Miss Potter y Down With Love, en las que comparte pantalla con Renee Zellweger; Young Adam, Big Fish, del director Tim Burton y con la actuación de Albert Finney, y la comedia animada Robots. Colaboró con Scarlet Johansson en The Island, dirigida por Michael Bay, y en Stay, dirigida por Marc Forster y coestelarizada por Naomi Watts.


AYELET ZURER (Dra. Vittoria Vetra) es una de las actrices más aclamadas de Israel. Llamó la atención de Hollywood tras ser elegida por Steven Spielberg para su primer papel de habla inglesa en Munich, cinta nominada para un Oscar en la que la actriz desempeña el papel de la esposa de Eric Bana. Ya en Estados Unidos, la actriz ha protagonizado varias cintas, incluyendo Vantage Point (Sony Pictures), en la que comparte pantalla con Dennis Quaid y William Hurt; Fugitive Pieces, dirigida por Samuel GOldwyn y coestelarizada por Stephen Dillane; y Adam Resurrected, en colabora con Jeff Goldblum y Willem Dafoe bajo la dirección de Paul Schrader.


ACERCA DE LOS REALIZADORES
El cineasta RON HOWARD (Dirigida por/Producida por), galardonado con un Premio de la Acdemia, es uno de los directores más populares de esta generación. Desde los aclamados dramas A Beautiful Mind y Apollo13 hasta las exitosas comedias Parenthood y Splash, este hombre ha creado algunas de las cintas más memorables de Hollywood. Recientemente dirigió una adaptación para la pantalla grande del bestseller The Da Vinci Code, estelarizado por el ganador del Oscar Tom Hanks, Audrey Tautou, Sir Ian McKellen, Alfred Molina, Jean Renoy Paul Bettany. Poco antes de sumergirse en la producción de The Da Vinci Code, Howard dirigió y produjo Cinderella Man, protagonizada por Russell Crowe, con quien había trabajado previamente en A Beautiful Mind, por la que Howard ganó un Oscar al Mejor Director y que además ganara algunos premios a la Mejor Película, el Mejor Guión y Mejor Actriz de Reparto. La cinta se hizo acreedora a cuatro Globos de Oro, incluyendo un a la Mejor Película Dramática. Además, Howard ganó un premio al Mejor Director del Año otorgado por la Directors Guild of America.

Las habilidades de Howard como director han sido reconocidas desde siempre. En 1995 recibió su primer premio al Mejor Director del Año, otorgado por la DGA, gracias al trabajo realizado en Apollo 13. Muchas de las cintas pasadas de este director han sido reconocidas por la Academia, incluyendo la popular Backdraft ylas taquilleras Parenthood y Cocoon.

La carpeta de trabajo de Howard incluye algunas de las cintas más populares de los últimos veinte años. En 1991, Howard creó el aclamado drama Backdraft, protagonizado por Rober De Niro, Kurt Russell y William Baldwin. A esto le siguió la cinta épica e histórica Far and Away, con Tom Cruise y Nicole Kidman. Howard dirigió a Mel Gibson, Gene Russo, Gary Sinise y Delroy Lindo en el thriller de suspenso Ransom, estrenado en 1996. Howard trabajó con Tom Hanks, Kevin Bacon, Ed Harris, Bill Paxton, Gary Sinise y Kathleen Quinlan en Apollo 13. El resto de sus créditos cinematográficos incluye la taquillera Dr. Seuss’ How the Grinch Stole Christmas, estelarizada por Jim Carrey; Parenthood, con Steve Martin; la fantasía épica Willow; y Night Shift, protagonizada por Henry Winkler, Michael Keaton y Shelley Long; y el western de suspenso The Missing, estelarizado por los ganadores del Oscar Cate Blanchett y Tommy Lee Jones.

Howard dio inicio a su carrera cinematográfica desempeñándose como actor. Primero apareció en The Journey y Music Man, luego interpretando a Opie en la duradera serie de televisión The Andy Griffith Show. Más tarde estelarizó la popular serie Happy Days y fue tratado amablemente por la crítica tras su participación en American Graffiti y The Shootist.


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X-Men Origenes Wolverine

 Victor Hugo Juarez
guatemalanoticias@mail.com

 X-MEN ORÍGENES: WOLVERINE, el primer capítulo en la saga de X-Men, reúne a Wolverine con otras leyendas del universo de X-Men, en una revolución épica en la que los mutantes se enfrentan a fuerzas poderosas determinadas a eliminarlos.
      Hugh Jackman, como la feroz máquina de pelea que posee sorprendentes poderes curativos, garras de adamantio y una furia salvaje conocida como furia berserker, reinterpreta el papel que lo convirtió en una superestrella. X-MEN ORÍGENES: WOLVERINE se mantiene fiel al tono de la franquicia de películas de X-Men, al perpetuar el balance entre el espectáculo y la realidad de las películas previas, sin dejar de fortalecer las emociones y relaciones. 

      La película también introduce a un equipo de mutantes, incluyendo a varios cuya aparición en la serie cinematográfica había sido largamente esperada. El público conocerá al Equipo X, una cuadrilla militar clandestina conformada en su totalidad por mutantes. Sus miembros son: Wolverine; su hermano Víctor Creed, también conocido como Dientes de Sable, un ser salvaje de poder inimaginable; Wade Wilson, que será conocido más tarde como Deadpool, un mercenario moderno con un hábil manejo de la espada; Agente Zero, un experto rastreador y letal francotirador; Wraith, un teletransportador; Fred J. Dukes, también conocido como The Blob, un gigante morbosamente obeso y súper fuerte; y Bradley, quien puede manipular la electricidad. El grupo lo encabeza William Stryker, una figura que apareció por primera vez en “X2”, pero cuyos orígenes y motivos son explorados cabalmente en esta ocasión, en vista de que es la compleja relación entre él y Wolverine lo que define gran parte del pasado de Logan…y de su futuro.
      X-MEN ORÍGENES: WOLVERINE también analiza el trágico romance de Logan con Kayla Silverfox. El destino de Kayla provoca que Logan se vea involucrado en el ominoso programa Armas X, un experimento militar secreto de billones de dólares en el que Wolverine y otros mutantes son pieza fundamental. Entre éstos se encuentran Gambit, un joven Scott Summers (que será conocido más tarde como Cyclops); una bella y joven mutante llamada Emma Frost; y el previamente mencionado Deadpool, contra quienes Wolverine se enfrenta en su desafío final.
      Si bien las tres películas previas de X-Men se desarrollaban en un futuro no muy distante, la historia principal de X-MEN ORÍGENES: WOLVERINE —siendo el primer capítulo de la saga— se desarrolla previo a los acontecimientos de aquellas películas, en un pasado no muy lejano, aproximadamente en la década de los 70. Pero la extensión épica de la nueva película también abarca flash-backs que abarcan 150 años. Incluso tiene una escala y ambición nuevas para esta aclamada serie. “Queríamos superar las expectativas en todo aspecto”, resume la estrella y productor Hugh Jackman. “No solamente podíamos hacer una película muy buena; tenía que ser mucho más que eso”.
      Para lograrlo, X-MEN ORÍGENES: WOLVERINE ofrece un vertiginoso y emocionante viaje, lleno de aventuras y acción, mientras aborda temas complejos y conflictos emocionales intensos, que han sido características distintivas de las películas de X-Men. “Sí, la película necesita ser visualmente espectacular, y la acción tiene que ser sorprendente e implacable”, comenta el director Gavin Hood. “Pero también tienes que estar convencido de la historia y de los personajes. La idea central de la película es la de alguien que no está a gusto consigo mismo, que está en guerra contra su propia naturaleza. Ese es un personaje interesante para explorar. El tema de estar en guerra contra tu propia naturaleza estimula y fortalece la película, por lo que se convierte en algo más que simplemente acción, por su propio bien”.
      
      El personaje de Wolverine apareció en las historietas años después que muchos de sus hermanos X-Men, siendo la primera vez en 1974 (como una creación del escritor Len Wein y el director de arte John Romita Sr.), antes de haberse convertido en miembro integral de Los X-Men y de haber encabezado su propia serie de tiras cómicas. El impacto del personaje en la cultura popular ha sido profundo; solamente el año pasado, Wolverine fue catalogado #1 en la lista de los “200 Personajes Principales de Cómics de Todos los Tiempos”, por la revista Wizard, y #4 en la lista de los “50 Personajes de Cómics Más Grandes de Todos los Tiempos”, por la revista Empire.
      La primera película de los X-Men, con el en aquel entonces recién llegado a Hollywood Hugh Jackman en el importante papel de Wolverine, fue estrenada en el 2000 ante grandes elogios de la crítica y del público, además de haber consolidado la adaptación de los cómics al cine. “X2”, estrenada en el 2003, y “X-Men: The Last Stand”, que salió en el 2006, también alcanzaron un gran éxito. Para el 2009, más del 70 por ciento de los cinéfilos estadounidenses habían visto al menos una de las películas de los X-Men.
      Para Jackman, repetir el papel fue una oportunidad para expandir y profundizar las tres previas exploraciones en cine de Wolverine. “Ahora podemos ver el viaje de Logan y la batalla que lo rodea, mientras asume la responsabilidad de los eventos de su pasado”, comenta Jackman. “Wolverine tiene ciertas virtudes que son sagradas y la primera de ellas es que es un buscapleitos. Podemos apelar al eslogan del personaje que reza ‘Wolverine es el mejor que existe en lo que hace, y lo que hace no es muy agradable’”. La productora Lauren Shuler Donner, quien desempeñó este puesto en las tres películas previas de X-Men, añade: “Logan es irreverente, simpático y tiene una manera peculiar de hacer las cosas. Simplemente no le importa un comino —y para una audiencia eso es divertido de experimentar”.
      La historia principal de X-MEN ORÍGENES: WOLVERINE comienza con Logan en busca de consuelo, de un pasado lleno de oscuridad, trabajando como leñador en las remotas montañas rocosas de Canadá. Logan, quien encuentra el amor y la felicidad por primera vez en su muy prolongada vida, lleva una existencia aparentemente idílica con la profesora de escuela Kayla Silverfox. “No podría estar más lejos del pasado del que hace tanto tiempo ha intentado escapar”, comenta Jackman. “Kayla es un catalizador para los cambios más grandes a los que se haya tenido que enfrentar Logan”, comenta Lynn Collins, quien aceptó el papel después de haber sido vista por Jackman en la obra “The Merchant of Venice”, al lado de Al Pacino. “Ella provoca que piense diferente con respecto al conflicto de ser humano y ser mutante. Su relación lo incita a intentar sanar viejas heridas y a experimentar las consecuencias y riesgos del amor”.
      Pero conforme Logan busca la paz que lo ha eludido por más de un siglo, “el mundo del que ha intentado escapar sigue trayéndolo de regreso”, comenta Jackman. “Como con cualquier cosa en la vida, a menos de que hayas lidiado realmente con un problema, a menos de que estés en paz con él, los problemas tienden a ser recurrentes. Y queda claro desde el inicio que Wolverine ha huido de cosas a las que se necesita enfrentar. Y una de ellas es Víctor, su hermano”.
      Víctor Creed, también conocido como Sabretooth, posee poderes similares a los de Logan. Ambos son virtualmente indestructibles y tienen una fuerza sobrehumana y feroz. La bestialidad de Víctor abarca un estilo de pelea parecido al de los felinos, así como habilidades para saltar; en ocasiones, puede arrancarse a atacar sobre sus cuatro extremidades.
       Como nos enteramos en flash-backs, Logan (nacido bajo el nombre de James Howlett) y Víctor no supieron que eran hermanos hasta que alcanzaron la adolescencia, en la secuela de lo que fue una tragedia familiar, que es cuando se materializan las distintivas furia berserker y garras de Logan. Estas últimas salen a través de su carne como hojas afiladas, convirtiéndolo en algo más y algo menos que humano. Logan y Víctor huyen de su hogar para formar un vínculo que trasciende incluso la hermandad. Como guerreros indestructibles que son, pelean juntos a través de importantes conflictos que abarcan dos siglos, incluyendo la Guerra Civil Estadounidense, la Primera y Segunda Guerra Mundial y Vietnam. “Logan y Víctor son un equipo”, comenta Jackman. “Emprenden un viaje juntos”.
      Pero Víctor aprecia la lucha mucho más que Logan. “Víctor es increíblemente brutal y tiene un ansia de sangre como ningún personaje que me haya tocado interpretar”, comenta Liev Schreiber. “Este tipo es un auténtico asesino”. El salvajismo de Víctor en una pelea lleva a ambos a enfrentarse a un pelotón armado —pero, desde luego, simples balas no pueden detenerlos. Al reconocer sus singulares habilidades, un oficial militar, el Coronel William Stryker, les pide que se unan a un equipo especial que está conformando —una unidad militar que opera de manera clandestina conocida en los cómics como Equipo X, compuesta por mutantes con poderes que hacen al equipo invencible. 

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN
      “Me divertí más interpretando a Wolverine en esta película que en las anteriores”, comenta Hugh Jackman. Su nuevo papel como productor incrementó su ilimitado entusiasmo por el personaje —y por todo el universo de los X-Men. Junto con el director Gavin Hood, así como con el socio de producción de Jackman en Seed Productions, John Palermo, y los productores Lauren Shuler Donner y Ralph Winter, Jackman supervisó virtualmente cada aspecto de los periodos de preproducción, producción y postproducción del filme. Apreció las nuevas responsabilidades. “Mi preparación proviene del teatro, donde estás involucrado en todo”, explica. “Para cuando subes a escena en la noche de estreno, sabes mucho no sólo acerca de tu papel, sino también del diseño de sets, diseño de vestuario, desarrollo de la historia…todo. Esa emoción, conocimiento y preparación son parte fundamental de la experiencia”.
      Quizás el aspecto más disfrutable de sus labores como productor fue el casting. “Esta película presenta a muchos personajes grandiosos y nuevos para las películas de X-Men”, comenta Jackman. “Fue particularmente gratificante introducir a estos nuevos personajes y encontrar a los actores adecuados para interpretarlos”.
      Jackman el productor ciertamente puso a Jackman el actor a prueba, incluyendo un régimen de entrenamiento físico extenuante que lo dejó en la mejor forma de su vida. Si bien entrenó arduamente para cada una de las tres películas previas de X-Men, el mantra de Jackman para superar las expectativas de X-MEN ORÍGENES: WOLVERINE lo llevó a alcanzar nuevos niveles de preparación física. “Con los filmes previos de X-Men nunca logré que Logan se viera exactamente como yo quería que se viera”, explica Jackman. “Para ésta, quería que Logan se viera animalesco, que las venas se le botaran, y que tuviera una habilidad física felina. Quería que el público dijera, ‘Okey, este tipo es aterrador; este tipo le podría arrancar la cabeza fácilmente a alguien’”.
      Además de pasar interminables horas en el gimnasio, Jackman incrementó su ingesta de proteínas y calorías a niveles similares a los de un atleta profesional. Un día típico comenzaba a las 4 a.m., cuando se despertaba a tomar un licuado de proteínas especialmente preparado. Después se levantaba a las 6 a.m. para hacer entrenamiento con pesas, durante el cual en ocasiones permanecía en personaje para maximizar el trabajo. “Cargaba veinte por ciento más duro, más pesado y más tiempo como Wolverine, que como lo haría si fuera yo”, explica Jackman con una franca risa. “Como yo, podía decir fácilmente, ‘Ah, es suficiente entrenamiento [con pesas]. Pero como Wolverine, era: ‘Me encanta estar cargando peso de más’”. 

      Si bien Jackman se volvió físicamente imponente, no perdió su facultad atlética que ha aportado no sólo a sus papeles en películas de acción, sino también a su trabajo en escena. “La cámara adora a Hugh”, señala la productora Lauren Shuler Donner. “Tiene la gracia de un bailarín —es mucho más que solamente ‘hacer músculo’ para el papel”. 
      La ética laboral de Jackman y el régimen de entrenamiento impresionó a todo el equipo de producción, especialmente a Liev Schreiber, cuyo Víctor Creed se enfrenta en varias ocasiones a su némesis en pantalla, Logan, interpretado por Jackman. “Hugh definitivamente hizo que subiera mi nivel de juego”, comenta Schreiber, quien aumentó 18 kilos de músculo para el papel. “Hubo una química y competencia absolutas en nuestro entrenamiento y acrobacias. El hacer una escena de pelea con Hugh fue maravilloso, porque, como bailarín que es, tiene esa clase de disciplina y coreografía. Tenemos algunas escenas de peleas notables”.

ACERCA DEL REPARTO
      HUGH JACKMAN (Logan / Wolverine, Productor) hizo su debut cinematográfico en los EEUU en el papel de Wolverine, en la primera parte de la trilogía de “X-Men”, un rol que repitió en “X2”, “X-Men: The Last Stand” y, ahora, en X-MEN ORÍGENES: WOLVERINE. 
      Más recientemente, Jackman protagonizó con Nicole Kidman la épica del director y escritor Baz Luhrmann “Australia” (Ídem). Previo a ello, actuó en “The Fountain” (La Fuente de la Vida), de Darren Aronofsky, “The Prestige” (El Gran Truco), de Christopher Nolan, y “Scoop” (Amor y Muerte), de Woody Allen. Además, prestó su voz para personajes en las películas animadas “Happy Feet” (Happy Feet: El Pingüino) y “Flushed Away” (Lo que el Agua se Llevó). También interpretó papeles protagónicos en “Someone Like You” (Alguien como Tú), “Swordfish” (Acceso Autorizado), “Van Helsing” (Van Helsing: Cazador de Monstruos) y “Kate and Leopold” (Kate y Leopold), recibiendo por esta última una nominación al Globo de Oro® en el 2002.

      LIEV SCHREIBER (Víctor Creed / Sabretooth) es considerado uno de los mejores actores de su generación. Su repertorio de interpretaciones expresivas, humanistas y, con frecuencia, resolutas, le han valido al actor los más grandes elogios en el cine, el teatro y la televisión.
      Schreiber actuó recientemente al lado de Daniel Craig y Jamie Bell en “Defiance” (Desafío Mortal), un drama de la Segunda Guerra Mundial dirigido por Edward Zwick.   
      En el 2007, Schreiber protagonizó “Love in the Time of Cholera” (El Amor en los Tiempos del Cólera), de Mike Newell, junto a Benjamin Bratt y Javier Bárdem. “The Painted Veil” (Al Otro Lado del Mundo), también protagonizada por Edward Norton y Naomi Watts, fue estrenada en diciembre de 2006. Schreiber actuó al lado de Meryl Streep y Denzel Washington en “The Manchurian Candidate” (El Embajador del Miedo), con Julia Stiles en “The Omen” (La Profecía), junto a Ben Affleck en “The Sum of All Fears” (La Suma de Todos los Miedos), y de Hugh Jackman en “Kate & Leopold”. 

La entrevista

Hugh Jackman se sienta a discutir su papel protagónico en la muy esperada X-MEN ORÍGENES: WOLVERINE. Regresa por la cuarta ocasión a esta fascinante historia, que es el primer capítulo de la fenomenalmente exitosa saga de los X-MEN. Descubrimos quién es realmente este legendario mutante y fascinante personaje, dónde originó su furia y de dónde viene él. Jackman también es uno de los productores de la película. 

 

 

 

     EL FORMIDABLEMENTE TALENTOSO HUGH JACKMAN PROTAGONIZA la película ‘X-MEN ORÍGENES: WOLVERINE’: DE LO MÁS ENTRETENIDA CON ACCIÓN EXPLOSIVA, DRAMA INTENSO, COMEDIA Y ROMANCE.

  

X-MEN ORÍGENES: WOLVERINE lleva al público de regreso en el tiempo para descubrir quién es realmente este icónico mutante, lo que ha formado su personalidad y lo que hay detrás de la furia que amenaza con someterlo. Es la fascinante historia de los orígenes que une a Wolverine con otros legendarios mutantes al confrontar fuerzas poderosas decididas a eliminarlos. A veces oscura, a veces graciosa y siempre fascinante, la película es dramática y emocionante, llena de suspenso y sorpresa al descubrir cómo obtuvo  Logan/Wolverine esas navajas de hierro y por qué está destinado a llevar una vida de tormento. Los fans de X-Men se sentirán fascinados por la historia mientras que los nuevos espectadores la encontrarán igual de absorbente.   

“Creo que la gente se va a dar cuenta que finalmente esta película es un emocionante juego mecánico, una montaña rusa completa,” dice Jackman. “Y es muy divertida.”  

Basada en los cómics de Marvel, la historia es frecuentemente oscura y dramática pero también hay ligereza, humor y romance. Jackman, con un aspecto fortachón, tosco y firme gracias a un arduo e intensivo programa de entrenamiento, le aporta una profundidad reflexiva al papel. Hay temas interesantes que tienen que ver con el lado sombreado de la naturaleza humana, el aspecto animal del personaje de Wolverine. Pero esencialmente esta película es entretenimiento puro. Hay una desgarradora historia de amor al centro y la cinta explora la lucha de Wolverine con su némesis Víctor Creed/Diente de Sable (Liev Schreiber), así como sus propias luchas internas. La acción es visceral, los efectos son asombrosos y la película es  impulsada por una historia fuerte, bien escrita y buenos personajes. 

El actor protagonizó la primera película de la serie de X-MEN, como Wolverine. Retomó el rol en X-MEN 2 y X-MEN: LA BATALLA FINAL.   Los créditos fílmicos de Jackman incluyen LA FUENTE DE LA VIDA, EL GRAN TRUCO, SWORDFISH: ACCESO AUTORIZADO, VAN HELSING: CAZADOR DE MONSTRUOS, AMOR Y MUERTE, ALGUIEN COMO TÚ y KATE Y LEOPOLD. También prestó su voz a personajes en las películas animadas HAPPY FEET: EL PINGÜINO y LO QUE EL AGUA SE LLEVÓ. El actor recientemente protagonizó junto con Nicole Kidman la gran épica de Baz Luhrmann AUSTRALIA de Twentieth Century Fox.
 

Jackman recientemente demostró su versatilidad y su amplio talento como animador consumado conduciendo la ceremonia de los Óscares de este año.     

Vistiendo un suéter gris de cachemir y pantalones, el alto, guapo y tremendamente carismático actor se sentó para la siguiente entrevista en Nueva York.

P: ¿Qué tan interesante fue trabajar como productor en la película?

R: “Realmente lo disfruté. Estaba interesado en producir porque quería tener la responsabilidad de esta película. Supongo que se trata de convertirse un poco en adulto, lo que me atemoriza un poco pero fue una experiencia grandiosa. Me hizo disfrutar el proceso de realización cinematográfica más de lo que he disfrutado hacer cualquier otra película antes. Fue muy divertido. Tal vez soy el hijo de mi padre (era contador), pero siempre me ha interesado el lado de negocios de las películas, las maquinaciones de cómo puedes lograr que todas estas personas creativas vayan en la misma dirección. Aún cuando es la cuarta vez que interpreto a este personaje, me pareció la más desafiante y la más gratificante de todas.”

P: Pareces apasionarte por todos los aspectos del trabajo.

R: “Lo hago. Lo que me encanta de este negocio es el aspecto de que es como un deporte de equipo. Me encanta la colaboración, desde los primeros días con el escritor, hasta el trabajo con el director, el casting y el trabajo con el estudio. Para cuando estás listo y empiezas a filmar, ya hay vínculos de unión; están juntos. Siempre hay presión, siempre hay concesiones. Pero he aprendido que todos en el equipo tienen mucho que aportar. Tuvimos gente increíble trabajando en esta película así que me siento muy afortunado.”  

P: ¿Puedes explicar de lo que se trata la película lo más posible?

R: “La película es una precuela; precede a las películas X-MEN. No tienes que haber visto o saber nada de las otras para disfrutar ésta. Es una unidad, que es lo que queríamos, pero por supuesto también es genial si has visto las anteriores películas. Va a los orígenes del personaje. Siempre ha habido mucho misterio alrededor de Wolverine, desde la leyenda de los cómics hasta las películas. No sabemos mucho de su pasado. Perdió la memoria. Así que lo llevamos de regreso a su niñez, cuando tenía nueve años, y seguimos su vida hasta el tiempo presente.”

P: ¿Cuántos años tiene?

R: “Bueno, estamos hablando de un hombre que se puede sanar a sí mismo, así que exactamente cuántos años tiene nadie lo sabe con certeza. Pero por lo menos tiene ochenta años, probablemente más y se sigue viendo muy bien.”

P: ¿Cómo lo interpretas?

R: “Tiene mucha historia y esencialmente tiene un pasado tormentoso. Tiene un exterior duro y no muestra lo que realmente está en su mente. No tiene el corazón en la mano. En ese aspecto tiene similitudes con otros personajes arquetípicos de la pantalla grande como DIRTY HARRY, Han Solo (LA GUERRA DE LAS GALAXIAS) o MAD MAX. Es uno de esos personajes duros y en esta película ves por qué. Entiendes de dónde viene y cómo llegó a donde está. Pero también está toda la diversión de Wolverine. Siempre disfruto viéndolo, curiosamente, porque siempre tiene algo interesante qué decir. Le gustan bastante las damas. Es buena persona pero no buen tipo. Es interesante porque es tridimensional.”  

P: ¿Qué nos puedes decir de la trama?

R: “En el curso de la película, el público verá su evolución como personaje y descubrirá que ha encontrado una especie de satisfacción en su vida, tal vez por primera vez. Está enamorado de una chica. Está viviendo una vida bastante normal a millones de kilómetros de todo en Alberta, Canadá. Es un leñador y está contento tirando árboles, haciendo su trabajo, regresando a casa con su novia y llevando una vida sencilla. Pero resulta claro desde el inicio que debajo de la superficie hay una lucha interna entre su lado humano y su lado animal. Esa es la parte de la historia que me encanta porque todos luchamos con eso. Todos tenemos control, disciplina, tenemos reglas y leyes, y tenemos que vivir en cierta forma. Pero creo que hay una parte de nosotros que quiere caos y anarquía, hacer lo que queramos. Wolverine es así; está luchando con eso cada día de su vida. Es como un resorte en tensión listo para saltar. AAAAGHH (ruge). Y además de eso está la acción. Es el ‘bravucón’. Sé que habrá muchos tipos viendo esta película que dirán, ‘Sí, Wolverine’ (se ríe). Sabes que va a desatar líos, y te encanta al mismo tiempo. Es el espíritu de gladiador.”  

P: ¿Puedes hablar de tu trabajo con el director, Gavin Hood?  

R: “Gavin Hood es un gran director que verdaderamente sabe y entiende la historia y el personaje a la perfección. Puede seguir el viaje emocional de un personaje con tal detalle que crees lo que está pasando dentro de estos conflictos y todas las cosas difíciles por las que tiene que pasar Wolverine. Por su dirección, entiendes quién es. Te identificas con el tipo aún cuando tiene garras que salen de sus manos. Gavin te pone en una posición de sentir emociones por él.”  

P: ¿Qué tan desafiante fue esta película para ti?

R: “Tomó mucho trabajo. Comenzó cuando Gavin llegó como director y dijo, ‘Está bien, amigo, vamos a llevar a Wolverine a otro nivel. Tenemos que descubrir más de este personaje y cavar más.’ Eso significó más trabajo a todos los niveles. Hubieron varios momentos de la película que fueron auténticos retos y Gavin no era tímido para llegar y poner su brazo alrededor de mí y decir, ‘No hombre, eso no es suficiente’ y yo decía, ‘Lo sé.’ Estaba junto a la cámara viendo todo el tiempo. Es como un mentor en esa forma; realmente me empujó.”  

P: ¿Puedes discutir la fuerza física y músculo del personaje? Te ves masivamente poderoso y ridículamente en forma, eso debe haber llevado meses de preparación.

R: “Bueno, esto puede sonar extraño pero cuando leo un libreto, visualizo al personaje. Si no puedo visualizar al personaje, no puedo interpretarlo. Fui inflexible en que en esta película, más que en las películas X-MEN pasadas, hubiera momentos en pantalla donde la gente viera al personaje y pensara, ‘Ah, cielos, este tipo es un fenómeno. Es un animal.’ No quería verme bonito; por otra parte, no quería verme como fisicoculturista. Quería ver venas. Quería tener ese look apretado, firme, porque el lado animal de Wolverine es muy importante. Nunca se me olvida haber visto a Robert De Niro en CABO DE MIEDO. Fue una gran inspiración. Hay un momento en la película en donde se quita la camisa y piensas, ‘Ah, este tipo es un fenómeno.’ Tienes un poco de miedo. Así es como quería que se viera Wolverine por fuera. Tienes que sentir que si me ves de la forma equivocada, voy a saltarte encima y te voy a arrancar la cabeza.”  

P: ¿Entonces cómo lograste ese cuerpo?

R: “Pasé mucho tiempo preparándome para el papel, trabajando con un tipo en Australia que se llama Scott y es un campeón fisicoculturista natural. Digo natural porque obviamente sólo me interesaba hacer esto naturalmente. Así que quería descubrir cómo ponerme en la mejor forma de mi vida, y poder hacer las escenas de acción. Y este tipo es fantástico. Me decía, ‘Bueno, amigo, aquí está tu dieta’. La dieta estaba de locura (se ríe). Me despertaba a las 4 am y comía claras de huevo sin sal porque él decía, ‘La sal te va a hinchar.’ Luego bromeaba, ‘Hombre, te va a encantar esta comida porque tendrás una rebanada seca de pan tostado integral. Es el único pan y carbohidrato que tendrás en todo el día, así que disfrútalo.’ Entonces esperaba con anticipación despertar y comer mi pan tostado seco y claras de huevo. Luego regresaba a la cama y tenía que levantarme a las seis y comer una comida completa. Y así todo el día, comiendo el número exacto de calorías, mucho pescado y pollo y verduras – seis a ocho pechugas de pollo al día. Realmente disfruté comer pizza al final de la película, créeme, (se ríe) y la media docena de cervezas que me tomé el último día de filmación.” 

P: ¿Sigues con esa dieta?

R: “No. Cuido lo que como pero no sigo con eso, no, no. Como forma de vida fue bastante draconiana; no muy divertida. Pero cuando vi la primera edición de la película, respiré aliviado porque vi en la pantalla al personaje que veía en mi cabeza. Es lo más cercano físicamente que puedo llegar a ser Wolverine.”

P: ¿Y qué me dices de las rutinas de ejercicio?

R: “Corrí y levanté pesas. Cuando estuve ejercitándome fue muy interesante. Mentalmente pensaba que era el personaje de Wolverine porque eso es lo que requería ese tipo de trabajo físico. Cada mañana te levantas y hay una parte de ti que quiere colapsarse pero tienes que seguir. Estás lleno de testosterona. Cuando estoy entrenando, soy algo insoportable; hago todo un show y hay mucho ruido. Sin embargo sólo entrené durante una hora; es la intensidad lo que importa. Subí de cinco a siete kilos de puro músculo.”  

P: ¿Sigues teniendo un programa de entrenamiento riguroso?

R: “Entreno, no como para la película, pero me mantengo en forma. Will Smith me dijo, ‘Es mucho más fácil mantenerse listo que ponerse listo de cero,’ Y estoy de acuerdo, quiero estar preparado para los siguientes papeles.”

P: Hiciste muchas de las escenas de acción en la película.

R: “Siempre trato de hacer las más que puedo. Creo que eso es importante, sobre todo cuando eres el protagonista de la película. El público ya no se chupa el dedo como antes; saben lo que está pasando. Además la acción es esencial a este personaje. Hay algo que tiene Wolverine que llamamos la ‘ira de locura’, que es algo así como una furia ciega y en realidad es su mejor arma y su peor enemigo, porque en esa ira todo puede suceder. Quería que la cámara pudiera ver que está fuera de control, que hay una parte de él a la que le encanta, y que una parte de él se siente aterrorizado por ella. Y no quería darle esos momentos de furia y de salir de la furia a un doble, porque no puedes mostrar su rostro y de pronto has perdido un momento clave y se convierte tan sólo en acción genérica. Ahí fue donde Gavin fue genial. Me decía, ‘Este es el personaje. Es quien es en esta escena de acción.’”

P: ¿Por qué crees que las películas de X-MEN son tan populares alrededor del mundo?

R: "Creo que una de las razones por las que las películas tuvieron éxito es que hicieron una conexión en una forma que nadie podía prever. Son mutantes con poderes. Pero también son marginados y todo mundo puede identificarse con eso en algún nivel.”

 

P: ¿Puedes identificarte con la ira y furia de Wolverine? Pareces una persona muy tranquila, de trato fácil.

R: “Estaba lleno de furia cuando era más joven. Era el más joven de la familia. Éramos cinco y mi hermano mayor me molestaba y peleábamos mucho. Recuerdo la completa impotencia y frustración de no ser tan fuerte como mi hermano mayor Ralph y él molestándome y que no jugaba conmigo. Eso pasaba mucho. Es una de las emociones a las que recurro para Wolverine, más que cualquier otra, aunque debo decir que el pobre tipo (mi hermano) es el hombre más lindo y dulce que hay. Fue testigo en mi boda y somos muy unidos.”  

P: ¿Todavía experimentas ese sentimiento de furia?

R: “Hay momentos en que me enojo. Pero es cierto que generalmente soy una de esas personas ecuánimes pero cuando me enojo, la tapa sale volando un poco. Ocurre muy, muy raramente ahora. Pero seré sincero contigo, no soy muy bueno entre las 3 y las 5 de la mañana. Es un poco como un escenario de Dr. Jekyll y Sr. Hyde conmigo. Ya sabes, muchas cosas pueden irritarme pero es raro que realmente pierda el control. Tal vez porque interpretar a Wolverine es un poco como terapia en algunas formas. Puedes expulsar muchos de esos demonios.”

P: Hugh, ¿tenías idea cuando filmaste el primer Wolverine que estarías haciendo tu cuarta película?

R: “No, aunque claro que siempre deseas que continúe. X-MEN fue mi primera película. En ese momento no tenía idea de la historia del cómic. Y nunca en mis sueños más locos pensé que estaría hoy aquí sentado, mi cuarta vez interpretando este papel en una película, pero no podría estar más contento.”  

P: ¿Qué hay en este personaje atormentado que llama la atención?

R: “Creo que tuve el sentimiento desde el principio de que éste es un tipo de arquetipo cinematográfico que ha sido el pilar de las películas durante treinta, cuarenta años o más. Wolverine es el clásico antihéroe. Es una buena persona. No es un buen tipo. Es el tipo de persona que de adolescente dirías, ‘Quiero ser como él’. Siempre sentí que después de las tres películas, había más que descubrir acerca del personaje. Había demasiadas cosas desconocidas, pero al final de esta película estaba decidido a que el público saliera diciendo ‘Ah, ahora entiendo quién es este tipo’. ¿Lo interpretaría nuevamente? Como todos nosotros, es un trabajo en progreso. Pero cielos, este personaje tiene mucho trabajo por hacer (se ríe). Definitivamente creo que voy a seguir sintiendo pasión por actuar en este papel en el futuro mientras los fans sigan teniendo el entusiasmo.”

  

P: En general, ¿qué podemos esperar de la película?

R: “Es una gran historia con la que todo mundo se puede identificar sobre un tipo que está en guerra consigo mismo. Espero que le guste a la gente. El mantra para todos los involucrados en esta película fue, ‘Tenemos que sobrepasar las expectativas en todos los niveles’ y creo que lo hemos logrado con la historia, la acción, las peleas, los efectos visuales y los personajes. Es muy divertida.”  

P: Por último, ¿qué tan satisfecho te sientes profesionalmente en este momento?

R: “Me encanta lo que hago, a veces no puedo ni creer que estoy aquí. Mi carrera es tan variada y satisfactoria y rica, que me siento muy afortunado y bendecido.”

 

 

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No busques nada en El Sotano

Victor Hugo Juarez
guatemalanoticias@gmail.com

 SINOPSIS
Jennifer (Elisha Cuthbert) es una celebridad, un icono de moda, y ahora yace inconsciente en una cama de hierro, con sus elevados tacones colgando del colchón, en una habitación sin ventanas. Se despierta desorientada y confusa. Sus susurros rebotan en las frías paredes desnudas. Está enjaulada. Jennifer chilla de pánico y frustración. El aparato de televisión del rincón se enciende para mostrar el lujoso apartamento de Jennifer; luego, cambia a otra escena que muestra a Jennifer acurrucada en la parte posterior de una furgoneta, entre recambios, neumáticos y herramientas. Una mano irrumpe en el fotograma y le acaricia el cabello antes de que el televisor se apague de nuevo. El carcelero acaba de hacer su presentación. En el mundo exterior, los detectives Bettiger (Michael Harney) y Disantos (Laz Alonso) inspeccionan el escenario. En el apartamento de Jennifer descubren una pequeña urna de cristal llena de un misterioso polvo gris blanquecino. Han visto esto antes, son los restos de una cremación. Comprenden al instante que no les queda mucho tiempo.


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Buscando a Amanda

 Victor Hugo Juarez
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Finding Amanda
Comedia 
Drama
100 min
Título original: Finding Amanda
País:
Productora: Magnolia Pictures
Director: Peter Tolan 
Guión: Peter Tolan 

Reparto: Matthew Broderick, Brittany Snow, Moira Tierney, Steve Coogan

Sinopsis:
Broderick interpreta a un productor televisivo que tiene problemas con la bebida y el juego. Cuando se entera de que su sobrina de 20 años se encuentra en su misma situación, viajará a Las Vegas para convencerla de que ingrese en un centro de rehabilitación. Allí, en la ciudad del juego se encontrará con personajes curiosos del mundo de la noche, entorno donde trabaja su sobrina.


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Heroe de Centro Comercial una comedia super especial

Victor Hugo Juarez
guatemalanoticias@gmail.com

En la comedia de Columbia Pictures HEROE DE CENTRO COMERCIAL, Kevin James interpreta al personaje del título, un padre soltero que vive en los suburbios y que trata de llegar a fin de mes trabajando como guardia de seguridad en un mall de Nueva Jersey. Aunque nadie lo toma seriamente, Paul considera que él está en la primera línea de la seguridad del lugar. Cuando un asalto obliga a cerrar el complejo comercial, el policía más formidable de los malls de Nueva Jersey tendrá que convertirse en uno de verdad para resolver la situación.

Columbia Pictures presenta, en sociedad con Relativity Media, una producción de Happy Madison, HEROE DE CENTRO COMERCIAL. Con Kevin James, Jayma Mays, Keir O’Donnell, Bobby Cannavale, Stephen Rannazzisi y Shirley Knight. Dirige Steve Carr. Los productores del filme son Adam Sandler, Jack Giarraputo.


SERVIR Y PROTEGER... LOS MALLS DE NUEVA JERSEY

“Este personaje simplemente me encanta”, afirma Kevin James en referencia a Paul Blart, el policía del centro comercial de la comedia de Columbia Pictures titulada, con mucha propiedad, HEROE DE CENTRO COMERCIAL. “Nadie cree en él, pero termina poniendo las expectativas de todos patas para arriba. Es fácil simpatizar con un personaje que ha intentado hacer cosas importantes y, sin embargo, ha fracasado en cada oportunidad. Quiero verlo triunfar”.

A James se le ocurrió este personaje después de una conversación con el comediante estrella Adam Sandler, su compañero tanto en la actuación como en la producción. Después del éxito de su comedia conjunta anterior I Now Pronounce You Chuck & Larry, Sandler quería volver a trabajar con James, pero esta vez desempeñándose como productor a través de su compañía Happy Madison. A Sandler le interesó la idea de James de darle vida al incompetente policía de un mall que termina convirtiéndose en héroe. “Me parecía que interpretar a un personaje de este tipo podía ser divertido porque los policías de los malls se encuentran en una posición de supuesta autoridad pero, sin embargo, carecen del verdadero poder que tienen los policías”, señala James. Junto a su coguionista, Nick Bakay, James creó el personaje de Paul Bart, un inepto que compensa su propia torpeza tomándose su trabajo demasiado en serio y un encantador hombre común que finalmente tiene la oportunidad de demostrar su valentía cuando un equipo de atletas dedicados a los deportes extremos toma por asalto el mall.

El productor Todd Garner, quien con anterioridad había colaborado con Adam Sandler en películas como The Waterboy, Deuce Bigalow: Male Gigolo y Anger Management, agrega: “Dado que este personaje surgió de la mente de Kevin James, todo lo que él hace, desde sus gestos hasta su estilo de actuación, se convierte en el personaje. Es la manifestación más sincera de todos sus talentos”.

“En este momento, Kevin James es el mejor actor de comedia física”, afirma Garner. “En esta película, se lo puede ver tirándose por una rampa, estrellándose contra una mesada o derribando una pila de maletas”.

“En todo lo que hace es muy físico, talentoso y arriesgado”, comenta el coordinador de escenas de riesgo Chris O’Hara. “Hay mucho humor físico en esta película y, siempre que puede, Kevin quiere hacer él mismo todas las escenas; incluso fue él quien propuso muchas de las pruebas. Trabajar con un actor así es maravilloso”.

Para interpretar este papel, James cumplió con todo el entrenamiento necesario, aunque no fue precisamente del tipo que uno se imaginaría. “Tuve que entrenarme para usar pantalones de poliéster”, confiesa James. “Es necesario porque el poliéster no deja que la piel respire. Si no haces el entrenamiento y tus piernas no están acostumbradas a este material, de seguro sufrirás una reacción alérgica, lo cual no es para nada bonito”.

Con un comediante tan deseoso de poner el cuerpo, la historia necesitaba villanos que estuvieran dispuestos a hacer lo mismo. “Hay que admitir que Paul no está necesariamente lo que se dice ‘en forma’”, reconoce James. “Entonces, nos pusimos a pensar qué tipo de villano sería un buen antagonista para él, uno que resultara realmente divertido. Finalmente, dimos con los deportes extremos, los atletas de los X-Games, los skateboarders, los ciclistas de BMX y los free runners, y nos pareció que era una combinación perfecta”.

Garner concuerda: “Paul es un hombre muy correcto y decente que tiene una hija. Estos vándalos estúpidos, que son modernos atletas de deportes extremos, representan su más completa antítesis. Encontramos dos skateboarders de primera, dos increíbles ciclistas de BMX y dos free runners, que no sólo eran ideales para interpretar estos papeles, sino que, además, trabajaron con los diseñadores de escena y con los departamentos de arte y de rodaje para ayudarnos a dar con el mejor modo de mostrar sus habilidades en el set”.

A la cabeza de este equipo se encuentra el director Steve Carr. “Una de las cosas que me encantó de esta película fue que, si bien no estaba dirigida específicamente a un público infantil, resultaba atractiva para el público familiar”, señala Carr. “Kevin y yo congeniamos de inmediato. Nuestras ideas para la película estaban en perfecta sintonía”.

“Steve Carr siempre ha tenido muy buen ojo para las comedias”, opina Garner, por su parte. “Era ideal para esta película porque sabíamos muy bien lo que queríamos: que fuera divertida y que tuviera escenas de acción espectaculares”.



ENTRE COMPRAS Y DISPAROS: EL MALL COMO PERSONAJE

Una de las motivaciones de Kevin James para escribir y protagonizar HEROE DE CENTRO COMERCIAL fue que le traía a la memoria sus años de adolescencia, cuando se pasaba las tardes en los malls de la costa este. “Siempre andaba por Spencer Gifts y Sam Goody, mirando los discos, pasando el tiempo y conociendo gente”, recuerda. “Un mall es mucho más que una serie de negocios: es el centro del pueblo, un lugar donde encontrarse con amigos y ver a la chica que te gusta para evaluar cuánto tiempo más vas a estar persiguiéndola sin decirle una palabra”, bromea.

“En esta película, el centro comercial es un personaje más”, afirma Russ T. Alsobrook, el director de fotografía del filme. “Tiene su propia personalidad”.

Debido a su significado especial, los realizadores ni siquiera consideraron la posibilidad de recrear la energía y vibración de un mall en un estudio de filmación. Encontraron la locación que buscaban en el Burlington Mall de Burlington, Massachusetts.

Podrían haber cerrado el mall, clausurado algunas partes o, incluso, filmado después de hora, cuando estuviera cerrado. Sin embargo, los realizadores decidieron filmar durante el horario de atención al público, cuando el centro comercial está repleto de gente.

“El aura de misterio que rodea al proceso de creación de una película hace que, en cualquier lugar que filmes, la gente se pare a mirar; en especial si ese lugar es un mall de Massachusetts en plena actividad, donde el ver personas filmando una película no es cosa de todos los días”, explica Todd Garner. “Podría haberse puesto difícil, pero la gente estuvo fantástica, respetaron mucho lo que tratábamos de hacer. Creo que eso le suma al clima de la película”.

“En las horas pico, las cosas se descontrolaban un poco”, se sonríe Kevin James. “Pero ver a los fanáticos era fabuloso: las masas se entusiasmaban con la película”.

“Actuar delante de tanta gente es extraño, pero es una experiencia fantástica. Es como hacer teatro rodeado por el público”, agrega Mays. “Y cuando no eres parte de la escena que se está rodando puedes pasar el tiempo haciendo compras”.

Lo cual, como señala James, puede tener sus contras: “Ya gasté mi asignación diaria de las próximas cinco películas”, bromea James.

Claro que el mall necesitó un poco de maquillaje para su debut en Hollywood. La historia se desarrolla durante el día después de Thanksgiving, que es el día del año en que más compras se hacen. El departamento de arte, con el director de arte Perry Andelin Blake a la cabeza, estaría a cargo de llevar a cabo la decoración navideña del mall en pleno abril.

“Todas las vidrieras del mall, desde Gap hasta J Crew, estaban plagadas de maniquíes y de fotos de personas en shorts y trajes de baño. Todo muy veraniego”, cuenta Blake. “Por eso fue necesario trabajar con las tiendas y pedirles que quitaran todos los artículos de verano que tenían en exhibición y los reemplazaran por camperas y esquíes para asegurarnos de que no se vieran en el fondo cosas que quebraran la ilusión de realidad de la película”.

También hubo otros elementos de diseño, algunos sutiles y otros bastante evidentes. Los realizadores comenzaron con la clásica decoración de las festividades. Para darle un aspecto navideño al mall, Blake arregló con la gerencia, el Simon Property Group, que le permitieran colgar sus gigantescos adornos y luces de Navidad.

Pero todavía les faltaba la pieza más importante del escenario navideño. “Queríamos crear una aldea de Santa”, admite Blake. “Pero las aldeas de Santa siempre terminan pareciendo cabañitas suizas y yo no quería recrear esa imagen típica. Entonces centré la atención más al norte, en dirección al Polo Norte: Noruega, Suecia, Rusia, Finlandia... y, al final, nos basamos en las antiguas iglesias ortodoxas rusas de San Petesburgo, esas que son todas de madera con cúpulas en forma de cebolla. Es un poco exagerado, pero aún así sigue siendo cálido y acogedor, como una pequeña casita que podrías encontrar en medio de las nieves árticas”.

Blake preparó del mismo modo los puestos del mall, a los que intentó darles una apariencia que se identificara con los personajes que los atendían. “El puesto de Unbeweaveable de Amy tenía que verse adorable, así que usamos tonos rosas y púrpuras y le pusimos unas cintitas y piedritas encantadoras. Es muy brillante y expresa su personalidad. Hicimos lo mismo con el puesto de salsas picantes de Leon. El es grandote y tiene una personalidad imponente, así que creamos para él un letrero con la palabra "Flames" e inventamos todas las salsas picantes del lugar. Después, nuestra diseñadora de vestuario, Ellen Lutter, lo vistió con una gran sudadera repleta de llamas de fuego, con lo cual se terminó de completar su imagen. Su personalidad reluce completamente a través de su puesto”.

Otro escenario clave dentro del mall es el Garden State Savings, ya que gran parte de la película transcurre en ese banco. Construido en una tienda vacía en una de las puntas del centro comercial, el banco tiene tres áreas principales: la habitación trasera, uno de los lugares en que se mantiene cautivos a los rehenes; el área frontal, donde trabajan los cajeros y puede verse la gran bóveda; y la vista del mall a través del frente vidriado del banco.

“El banco en sí no es un lugar de lo más estimulante, por eso quisimos que se pudiera ver el centro comercial, pues así tendría mayor profundidad”, explica Blake. Pero su equipo superó ampliamente las expectativas en la tarea de hacer del banco un escenario interesante al planear enfoques inusuales y decorarlo en distintos tonos de verde. Luego, el diseñador gráfico de la producción, Simon Jones, creó toda una campaña de marketing para la institución imaginaria. Tomaron fotos para los grandes letreros, inventaron eslógans y hasta hicieron un cajero automático de fantasía que logró engañar a más de un cliente, que se alejaba sin entender por qué no había podido extraer dinero.

“Queríamos que pareciera un banco de verdad y me parece que lo logramos”, ríe Blake.

LA FILMACION DE LAS ACROBACIAS

“Para capturar la esencia de lo que estos muchachos hacen en sus skates, bicicletas BMX y en el free running, tuvimos que manejar muchas cámaras”, explica Alsobrook. “En cada acrobacia filmábamos desde 24 cuadros por segundo hasta 96 cuadros o incluso 120 (cuantos más cuadros por segundo, más lenta se ve la imagen cuando se reproduce a velocidad normal). Así que filmamos en cámara ultra lenta mucho material de los muchachos saltando de balcón en balcón o haciendo acrobacias en sus bicicletas y saltando muros y barreras con sus skates. Son realmente increíbles”.

De las muchas escenas de acrobacias en el filme, la secuencia más grande que contenía la acción más complicada, en la que Rudolph (alias Mike V) persigue a Blart a toda velocidad, involucraba una persecución entre un transportador personal (TP) y un skate.

“Es TP versus skate. ¡Sólo uno sobrevivirá!”, grita James.

En la escena, Rudolph descubre a Blart, hace un par de disparos con su arma y comienza la persecución. A medida que esquivan los negocios y provocan el caos a su paso, Blart intenta escapar en un elevador de cristal. Mientras aprieta desesperadamente el botón para subir, ve por la ventana que Rudolph va a toda velocidad por una rampa de hielo de un espacio decorado como el Polo Norte, y salta apuntando directamente al elevador. Vuela por el aire unos segundos y termina estrellándose contra el elevador de cristal en movimiento.

Fue algo muy complejo para coordinar, y se complicó aún más por la manera de trabajar de Mike V. “No me gusta ensayar”, dice el skater. “Me gusta vivir en el momento y aprovecharlo cuando llega”. La acrobacia salió perfecta en la primera toma.

Pero ese no fue el fin de la rivalidad entre Blart y Rudolph. Después se encuentran en el techo del mall. Rudolph salta sobre una separación de 4,5 metros, seguro de que Blart no lo seguirá… pero al darse vuelta ve que Blart lo sigue a toda marcha. Ambos caen y atraviesan un techo de vidrio… y caen… y caen… y caen… 14 metros, hasta aterrizar en un pelotero. (¿Cuántas pelotas se necesitan para amortiguar una caída desde 14 metros? Exactamente 64.000.)

Sin embargo, los realizadores se toparon con un desafío que no esperaban. Kevin James —el hombre que quería hacer sus propias escenas de riesgo y que incluso las escribió— decía que ésa era una acrobacia que no realizaría, por su terror a las alturas.

“La primera conversación que tuve con Kevin fue sobre esa caída”, cuenta Mike V. “Me dijo que no la haría, y cuando le pregunté por qué, me contestó: ‘Tengo miedo a las alturas’. Bueno, yo también les tengo miedo, pero es un desafío”.

“No sabía que Mike V le tenía miedo a las alturas hasta que estuvimos por ensayar la acrobacia”, continúa O’Hara. “El me dice: ‘¿Es un mal momento para contarte que le tengo miedo a las alturas?’. Y yo le contesté: ‘En realidad sí lo es…’ Pero lo hizo. Uno de los integrantes de mi equipo de acrobacias subió con él y repasó toda la escena. Lo tiramos y lo hizo muy bien”.

“Kevin me dijo: ‘Definamos el miedo’”, cuenta Mike V, “‘porque tu miedo no es igual al mío’. Entonces le dije que sería mucho mejor para la película si fuese él quien realizaba la escena y no un doble. No sé cómo lo convencí, pero aceptó”.

“A la hora de filmar”, cuenta O’Hara, “tuvimos que ir de a poco con Kevin. Le pusimos el arnés y lo subimos 3 metros”.

Mike V se ríe: “‘Hasta aquí está bien’, dijo Kevin”. “Y yo le decía: ‘No te preocupes, amigo, puedes ir más alto’. Entonces, lo agarré y le dije: ‘Vamos, hombre, tú puedes’, y él contestó: ‘Bueno, hagámoslo’”.

“Entonces subimos a Kevin a 6 metros’, continúa O’Hara. “Y todo el tiempo Mike V estaba allí siguiendo las instrucciones que le había dado mi acróbata. Fue realmente muy gracioso ver a estos dos sujetos con temor a las alturas caer desde 6 metros a un pelotero… ¡Y salió estupendamente!”.

“Saltamos dos veces”, continúa Mike V. “No podía creer que Kevin lo hiciera de nuevo, pero lo logró, y salió realmente bien. Luego me dijo: ‘Me ayudaste mucho, Vallely’”.

“Fue maravilloso. Cuando terminamos, me di cuenta de que él realmente quería que la película fuese lo mejor que podía ser. Se puso en una situación muy incómoda para él mismo, pero al final lo logró”.
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Dragon Ball Evolution ahora en cines

Victor H Juarez
guatemalanoticias@gmail.com

“DRAGONBALL: EVOLUCIÓN” es la sumamente esperada película de acción en vivo basada en el popular manga japonés, creado por Akira Toriyama. El trabajo de Toriyama abarca novelas gráficas —que se han convertido en best-sellers—, videojuegos y una serie de televisión tremendamente exitosa.

El manga, la serie y los juegos le aportan a la nueva película una mitología fastuosa y emocionante, así como personajes complejos —elementos que han cautivado a millones de aficionados de todas las edades, en todo el mundo. Una de las franquicias manga más grandes jamás creadas, ¡Dragonball tiene una enorme grupo de seguidores en línea y es uno de los términos más buscados en Google y Yahoo!

Dragonball se ha convertido en un fenómeno global que ha generado más de cuatro billones de dólares en ventas de mercancía. Es considerado el estándar de oro de los videojuegos basados en anime, con más de 25 juegos distintos y más de diez millones de unidades vendidas desde mayo de 2002. La serie —500 episodios y contando— alcanzó los ratings más altos en Europa, Asia y los EEUU.

La película “DRAGONBALL: EVOLUCIÓN” presenta un reparto con prometedoras estrellas jóvenes y aclamados actores veteranos. Justin Chatwin, quien interpretó al hijo de Tom Cruise en “War of the Worlds”, de Steven Spielberg, interpreta el papel del heroico Goku, un poderoso guerrero que protege a la Tierra de un interminable torrente de bribones determinados a dominar el universo y a controlar los objetos místicos, de donde el filme toma su nombre. Emmy Rossum (“The Day After Tomorrow”) es Bulma, una bella mujer que, impulsada por sus propias razones, está decidida a recuperar las místicas Dragonballs; Jamie Chung (“Samurai Girl”) es Chi Chi, una joven dedicada a las artes marciales, quien llama la atención de Goku; y la leyenda de la pantalla Chow Yun-Fat (“Crouching Tiger, Hidden Dragon”) es Roshi, el Maestro quien guía a Goku en su misión épica por salvar a la Tierra de las fuerzas del mal.

James Marsters (“Buffy the Vampire Slayer”) es Lord Piccolo, cuyo regreso podría significar la destrucción de la Tierra; la sensación internacional Joon Park es Yamcha, un carismático “chico malo” cuyos esquemas podrían arruinar la travesía de los héroes; la popular actriz japonesa Eriko (“Heroes”) es Mai, una asesina que trabaja con Piccolo; Ernie Hudson (“Ghostbusters”) es Sifu Norris, un Maestro y contemporáneo de Roshi; y Randall Duk Kim (“The Matrix Revolutions”) es el abuelo de Goku, Gohan, quien comienza a preparar y aleccionar a Goku para las tareas monumentales que le esperan.

Muchos de estos actores pasaron por un régimen de entrenamiento riguroso bajo los auspicios de la mejor compañía de acrobacias, 87Eleven, que ha ejecutado o diseñado algunas de las secuencias de acción más grandes que se hayan visto en el cine, en películas tales como

“The Matrix” (Matrix), “The Bourne Supremacy” (La Supremacía Bourne), “Mr. & Mrs. Smith” (El Sr. y la Sra. Smith) y “300”.

El director es James Wong, ex productor ejecutivo/escritor de la afamadas series de televisión “The X-Files”, “Millennium” y “Space: Above and Beyond”, y co-escritor/director de los éxitos cinematográficos “Final Destination” y “Final Destination 3

La misión de Goku —con nada menos que el destino de nuestro mundo en peligro—comienza de manera inocente en el jardín trasero del hogar de su abuelo, donde Gohan le está enseñando al joven algunos movimientos exóticos de artes marciales. Es el cumpleaños 18 de Goku, y el regalo que Gohan le da a su nieto es un Dragonball, una pelota pequeña y esférica, cuya superficie es suave y perlada, pero con una traslucidez lechosa que le da profundidad. Cuatro estrellas flotan en su interior. Solamente hay otras seis iguales en el mundo, y se dice que aquel quien logre juntar las siete Dragonballs se le concederá un deseo perfecto.

El pasado misterioso de Goku —quien nunca conoció a sus padres— está ligado a la leyenda de las Dragonballs, así como al venidero eclipse solar, cuyas supersticiones representan un símbolo de un apocalipsis venidero. Gohan promete revelarle todo a Goku en la cena especial que su abuelo le está preparando para celebrar su cumpleaños.

Pero Goku decide no asistir al festín de Gohan, y, en cambio, decide irse a una fiesta cuya anfitriona va a ser Chi Chi, una compañera estudiante por la que se siente atraído. Una vez que los dos adolescentes llegan a conocerse mejor, la llegada de una fuerza maligna provoca una tragedia en el hogar —lo que lleva a Goku, Roshi, Bulma, Yamcha y Chi Chi a una carrera para recuperar los siete Dragonballs. Los riesgos no podrían ser más altos. Goku se enfrentará a los enemigos más mortíferos de la Tierra, dominará una fuerza poderosa llamada Ki —que se encarga de ordenar la energía del universo— y se enterará de la verdad de su increíble pasado…y la de un futuro potencialmente inimaginable.

Convertir una propiedad global tan apreciada en un evento cinematográfico no es tarea fácil, y pasaron años después de que Twentieth Century Fox adquiriera los derechos de la serie de novelas gráficas Dragonball para hacer que eso sucediera. Una adaptación para la pantalla grande comenzó finalmente a cobrar forma cuando el realizador James Wong, quien ha trabajado extensamente en el género de ciencia ficción y fantasía, se interesó por el proyecto. Wong recuerda: “Leía los mangas, que realmente avivaron mi interés por la propiedad. Las novelas gráficas nos llevan a un mundo fantástico con grandes personajes —y son muy divertidas”.

Inspirados en el manga, Wong y el guionista Ben Ramsey trabajaron hasta lograr una mezcla de acción, humor y relaciones de personaje para la nueva película. “Nos esforzamos por lograr la correcta combinación de lo fantástico y lo narrable”, comenta Wong. Grandes escenarios para la acción, efectos visuales con tecnología de punta e intrincadas secuencias de artes marciales fueron elementos clave de “DRAGONBALL: EVOLUCIÓN”, pero todavía había mucho más que explorar con los personajes, sus fascinantes historias y sus relaciones progresivas.

Los retos en adaptar Dragonball para la pantalla grande fueron intimidantes, que se iniciaron con crear una historia que satisficiera a sus aficionados a ultranza y, asimismo, introducir este mundo a los no aficionados. “Así que el concepto era comenzar en un mundo que se sintiera familiar, y después introducir gradualmente los elementos fantásticos de Dragonball, por lo que para la mitad de la película ya estábamos en una modalidad Dragonball absoluta”, indica Ramsey.

“El reto más grande en adaptar un manga o serie animada en un película de acción en vivo es el peso de la realidad”, continúa. “Una vez que le das vida a los personajes y los conviertes en humanos de carne y huesos, las reglas cambian, aunque sea mínimamente. Los personajes animados pueden salirse con la suya mucho más que los personajes de acción en vivo. Cuando se escribe para personajes de acción en vivo tienes que implementar matices en el diálogo, dinámica entre los personajes y acción”.

Justin Chatwin obtuvo el papel de Goku después de una exhaustiva búsqueda mundial. Goku es un estudiante de preparatoria cuya inocencia y honestidad son dejadas atrás cuando comienza su heroico viaje. “El personaje tiene un gran arco —desde nerd de la preparatoria hasta salvador del planeta”, comenta Wong. “Un minuto, Goku es un estudiante de preparatoria que no encaja con sus compañeros; al siguiente, está en una misión increíble”. Chatwin se entusiasmó con la idea del viaje que emprende el héroe, en vista de que ha admirado desde hace mucho tiempo el trabajo de especialistas en mitología, como Joseph Campbell, cuyos escritos lidiaban frecuentemente con el rol del héroe. “Goku comienza su viaje como un adolescente común y corriente que descubre que está destinado para algo más”, comenta Chatwin. “Se convierte en un símbolo del bien moral”.

El viaje transformador de Goku es muy bueno, así como sus habilidades en artes marciales, pero un tema de igual escrutinio fue el….cabello del personaje. Las legiones de aficionados de Dragonball se identifican con su distintivamente estilizado peinado de puntas. “Esa fue mi primer pregunta a Jimmy Wong”, comenta Chatwin entre risas. “¿Qué vas a hacer con el pelo? Es tan importante, ¡que incluso el cabello tiene un arco!” (El peinado de Goku cambia a lo largo del filme, hasta convertirse en su distintivo “peinado” puntiagudo).

Uno de los primeros pasos en el viaje de Goku es buscar a Roshi, un Maestro anciano que complementa su entrenamiento, le ayuda a develar el secreto de su pasado y se le une en una misión para salvar al mundo. Roshi es como ningún otro Maestro Oriental que hayas visto antes; le gustan las mujeres y es partidario de las camisas hawaianas. Según Wong, el papel requería nada menos que un actor icónico que pudiera transmitir las múltiples dimensiones e increíbles habilidades del personaje. “En realidad, tuvimos que ir muy alto para encontrar a nuestro Roshi”, comenta Wong, “y decidimos apostarlo todo y abordar a Chow Yun-Fat”, la legendaria superestrella internacional que ha encabezado algunas de las películas de acción más aclamadas en la historia del cine, incluyendo la ganadora del Oscar® “Crouching Tiger, Hidden Dragon”.

Para los aficionados de Roshi, que lo conocían del manga y anime, Chow no tenía una obvia compatibilidad física con el personaje. Wong explica: “En el manga, Roshi es una figura anciana y excéntrica, que es impredecible. No es definitivamente tu Maestro tradicional que ofrece consejos sabios”. Si bien no había cantidad de maquillaje y prótesis que pudieran transformar al fornido Chow —a quien la revista People nombró una de las 50 personas más bellas del mundo, y el Los Angeles Times lo consideró “el actor más cool del mundo”— en la diminuta y anciana figura que aparece en el manga, Chow trabajó arduamente para capturar el espíritu del personaje. “Nunca he tenido la clase de reto que tuve con el papel de Roshi”, comenta el actor. “Hay tantos elementos en él —humor, acción, romance, emoción. Tiene poderes extraordinarios, pero no deja de ser simpático, familiar y humano”.

Una de las múltiples ideas que el actor propuso para el personaje fue que usara lentes de contacto color gris, para insinuar la inminente aparición de cataratas. “Pensé que los lentes intensificarían el realismo y familiaridad de Roshi”, comenta Chow, quien también practicó regularmente Tai Chi y meditación, antes y durante el rodaje.

Fascinados por estar trabajando con un icono del cine, tanto el reparto como el equipo de producción estaban impresionados por igual con el trabajo fuera de cámara de Chow. Nunca fue a su tráiler a relajarse entre escenas, y con frecuencia ayudaba a la unidad de cámara —incluyendo mover equipo pesado (para convertirse en el tramoyista más prestigioso de la industria). “Chow nunca dejó el set”, dice maravillado el director de fotografía Robert McLachlan, ASC/CSC. “Era como parte del equipo de producción”. Pero, para Chow, su trabajo detrás-de-cámaras no era la gran cosa. “Es la manera en como hemos estado haciendo las cosas en Hong Kong desde que comencé mi carrera en la televisión”, indica. “Los equipo de producción eran pequeños y siempre había ayuda mutua”.

Chow fue una inspiración para todos, especialmente para los actores más jóvenes, como Justin Chatwin y Jamie Chung. Esta última tiene el papel protagónico en la popular serie de televisión “Samurai Girl”, cuyo personaje del título posee habilidades de pelea que le resultaron útiles para “DRAGONBALL: EVOLUCIÓN”. Una de las estrellas jóvenes más brillantes y atractivas del momento, Chung le aportó mucho más a Chi Chi que habilidades marciales. Tiene la energía radiante necesaria para hacer totalmente suyas ambas facetas del personaje. “Chi Chi es la ‘Chica del Momento’ —la chica más popular de la preparatoria”, comenta Chung. “Proviene de una familia adinerada, y todo mundo espera ciertas cosas de ella. Pero ella tiene una segunda vida —una vida secreta— marcada por su pasión para pelear. Aparenta ser un chica común y corriente, pero cuando se prende, ¡puede golpear a cualquiera!”.

La relación cada vez más intensa entre Chi Chi y Goku se da, en parte, a raíz de que son almas gemelas. “A Chi Chi le atrae la habilidad secreta que Goku tiene para pelear”, comenta Chung. “Siente que Goku tiene algo realmente especial, y ella es capaz de hacer que eso resalte en él”.

Otra joven y bella mujer que se une a Goku en su misión es Bulma, un científica descrita en el manga como la “chica más inteligente del mundo”. La película conserva la confianza en sí misma, intensidad e inteligencia del personaje del manga —y el hecho de que ella sabe exactamente qué es lo que quiere. Y lo que Bulma quiere es el Dragonball que robaron de la compañía de su padre. Bulma, quien porta una vanguardista pistola magnum guiada por rayo láser, hará cualquier cosa por recuperar el Dragonball de cinco estrellas, que, piensa, proporcionará una ilimitada fuente de energía —e inmensas recompensas financieras.

Emmy Rossum apreció los retos de interpretar a un personaje tan multifacético, cuya actitud inflexible y determinada comienza a cambiar después de que se une a Goku y Roshi en su búsqueda por los Dragonballs. “Bulma llega a darse cuenta que la vida tiene que ver con mucho más que su misión personal”, comenta Rossum. “El personaje en el manga, y ahora en nuestra película, es tan vivo, divertido y valiente. Es todo menos ordinaria”. Un bono para la actriz fue aprender a manejar el vehículo de Bulma, que la producción creó a partir de una motocicleta Harley.

En el manga, Bulma usa una melena color azul, que se convirtió en su aspecto insignia. Rossum recuerda que los realizadores intentaron diversas maneras de capturar ese colorido y estilo, incluyendo tintes, extensiones de pelos y pelucas, pero finalmente tomaron una dirección más realista. No obstante, existen rastros de azul y morado mezclados a lo largo del vestuario del personaje.

En su búsqueda por los Dragonballs, Goku, Roshi y Bulma se enfrentan a su adversario, Lord Piccolo. Piccolo, como es representado en el manga, es una figura compleja e intrigante cuya travesía lo ve encarnar tanto al bien como el mal. En vista de que en la mitología de Dragonball cualquier personaje puede pasar del bien al mal, y viceversa. James Marsters, amado por millones de aficionados de todo el mundo gracias a su prolongada presencia como el vampiro Spike en las exitosas series de televisión “Buffy the Vampire Slayer” y “Angel”, interpreta a Piccolo en el filme. Su Piccolo es el antagonista de la historia —“En la película, Piccolo es una figura decrépita, y sus objetivos están centrados en la venganza”, comenta Marsters—, pero hay indicios de que su viaje es en gran medida un proceso evolutivo.

Mai, una belleza exótica teñida de malevolencia, trabaja con Piccolo. Su ataque predilecto es lanzar navajas conocidas como shiruken. La actriz oriunda de Japón, Eriko, quien llegó a “DRAGONBALL: EVOLUCIÓN” después de haber interpretado un papel recurrente en “Heroes”, dice que disfrutó haber interpretado una “mujer fuerte y tenaz”. James Wong añade que Eriko le aporta al papel una “cualidad especial y reciedumbre”.

ACCIÓN – “DRAGONBALL: EVOLUCIÓN”- ESTILO

“¿Cómo hacer para que las secuencias de acción se vean y sientan diferentes con respecto a lo que las audiencias han experimentado antes?” Esa fue la primera pregunta que Wong le planteó a su equipo cuando comenzó a pensar en lo que los aficionados de acción esperarían de una película basada en Dragonball. Las respuestas del aclamado equipo de acróbatas, 87Eleven, así como del director de fotografía Robert McLachlan y del supervisor de efectos visuales Ariel Velasco Shaw, ciertamente satisficieron a Wong —y promete no solamente complacer a los aficionados del cómic sino también a los entusiastas de las películas de acción.

El supervisor de efectos visuales Velasco Shaw empleó lo que Wong llama “cámaras-puño” —de la renombrada compañía Iconix—, que son tan pequeñas que pueden ser montadas en el puño de un actor, permitiendo que el golpe de un personaje llegué directamente al público. “Es como un tipo de ‘punto de vista del puño’”, explica Wong. McLachlan sugirió utilizar las nuevas cámaras digitales Phantom de alta-velocidad para generar en secuencias de acción clave un movimiento súper lento. “Hicimos mucha investigación y desarrollo con las cámaras Phantom”, comenta McLachlan, quien había descubierto la en aquel entonces experimental fotografía en YouTube. En el video de YouTube un globo lleno con agua es reventado con la “acción” captada a 1,000 cuadros por segundo. McLachlan y Wong quedaron impactados con el resultado. “La cosa más espectacular del video fue ver cómo el agua conservaba la forma del globo antes de caer”, Wong recuerda.

De “menor-tecnología”, pero de igual relevancia para intensificar la acción, fueron las acrobacias y entrenamiento supervisados por 87Eleven, y los coordinadores de acrobacias Jonathan Eusebio, Julian Bucio Montemayor y Jared Eddo. La primera cosa en su agenda fue poner en forma al reparto, seguido de un intensivo programa de acción coreográfica, y, finalmente, hacer que los actores se sintieran cómodos con el considerable trabajo de cables y acrobacias que tenían que desempeñar. Fue un programa increíblemente riguroso —“Cuando [los actores] no estaban trabajando, estaban entrenando”, comenta Eusebio.

Los miembros jóvenes del reparto pasaron por regímenes de entrenamiento diseñados de manera individual —no hay dos personajes que tengan idénticos estilos de pelea—, así como dietas especiales para mantener su fuerza y resistencia durante la producción. En la tradición de Dragonball, Goku es el más grande guerrero del planeta. Y Justin Chatwin asumió la responsabilidad de capturar las habilidades del personaje, muy seriamente. Antes de que diera inicio la fotografía principal, estuvo seis semanas bajo orientación nutricional y entrenando acrobacias y artes marciales con 87Eleven; un severo régimen que continuó durante el rodaje de la película. “Todo esto provocó que mi adrenalina comenzara a correr”, comenta el actor, quien también señala que dejó el azúcar, el trigo y la pasta durante su trabajo en la película. Chatwin pasó mínimo cinco horas de entrenamiento al día, estudiando karate, kung fu y un método brasileño conocido como capoeira, que hace del movimiento de artes marciales, los juegos y la danza un ritual. Para las maniobras acrobáticas más extremas, Jackson Spidell dobló al actor. El movimiento insignia de Spidell: pegar un brinco y, en el aire, hacer medio giro, para, al momento de caer, golpear a un contrincante.

A Chow Yun-Fat, en el papel Roshi, le dieron estilos marciales “más suaves”, como el Tai Chi, para adecuarse a la edad y experiencia del personaje. A Jamie Chung, como la joven y siempre entusiasta artista marcial Chi Chi, le dieron estilos de pelea “duros”, incluyendo kickboxing, karate y boxeo Thai. Chung estaba especialmente encantada con una vital escena de pelea en la que Chi Chi pelea contra…Chi Chi. (Mai, un personaje que cambia de forma, se transforma en Chi Chi para robar un Dragonball). “Tuve que interpretar ambos lados de la pelea y aprender la coreografía tanto para Chi Chi como para Mai”, esta última practicante del kung fu, Chung recuerda. Los efectos visuales, incluyendo control de movimiento y composiciones separadas, realzaron la compleja batalla.

Y, ¿qué tipo de entrenamiento requiere el actor para interpretar a una de las figuras más poderosas del universo —Lord Piccolo? Según James Marsters, fueron sesiones en las que hubo golpes/patadas/combinaciones de bloqueo. “Creía que mi cuerpo se me iba a romper”, comenta el actor entre risas. “Pero [el equipo de acrobacias y entrenadores] sabían exactamente qué tanto podía soportar mi cuerpo”.

Una de las primeras escenas en la que vemos a Goku y a su abuelo Gohan entrenar en un tendedero, que se encuentra varios metros arriba del suelo, fue una de las favoritas del equipo de acrobacias. “Gohan y Goku están peleando, pero de una manera juguetona”, explica el coordinador de efectos Jared Eddo. “Cinco tramoyistas y un equipo de acróbatas de once personas, incluyendo dobles y expertos en seguridad, estuvieron involucrados en la escena. Poleas y máquinas —junto con mano de obra convencional— nos permitieron crear la ilusión de que los personajes estaban parados sobre el tendedero, y [una tramoya especial] nos permitió maniobrar a los acróbatas y a los actores”.

Una batalla decisiva entre Goku y Piccolo, que se lleva a cabo en el “Templo del Dragón”, fue realizada y fotografiada como una pelea extrema, que les llevó no menos de diez días para completar. Aquí, Goku ejecuta su emblemático movimiento de arte marcial, “Kame-Hame-Ha”, donde toma energías, tanto extraterrestres como terrenales, para lanzar una intensa ráfaga cegadora hacia su adversario. Para la escena, Justin Chatwin y James Marsters tuvieron que saltar 6 metros arriba del piso del Tempo, y parecer que “volaban” hacia unas salientes rocosas — todo con la ayuda de cables y alambres, desde luego. Más tarde libran una batalla “en el aire”, suspendidos frente a una pantalla verde.

DISEÑANDO “DRAGONBALL: EVOLUCIÓN”

El singular aspecto de las escenas de acción de la película complementa su dirección de arte y fotografía. El diseñador de producción Bruton Jones, junto con los asesores visuales Richard Holland y Bruce Crone, apelaron al manga y anime de Dragonball, así como a un crisol de estilos que reflejaran los punto de referencia pasados/futuros y multiculturales de la película. El Templo del Dragón, por ejemplo, tiene influencias arquitectónicas rusas, japonesas y chinas.

Antes de que diera inicio la producción, el director de fotografía Robert McLachlan probó varios tipos de película antes de decidirse por Fuji, ya que ésta le ayudó a darle una apariencia muy saturada en colores, que era la que estaba buscando. La saturación del color aumenta la intensidad del eclipse solar en el filme, que en la historia indica un evento potencialmente catastrófico. “Queríamos que nuestro eclipse fuera mucho más surrealista [que un típico eclipse solar], con colores extraños, intensos y rojizos”, comenta McLachlan.

Ariel Velasco Shaw supervisó los múltiples y variados efectos visuales de la película, incluyendo la fuerza de energía conocida como Ki. Uno de los ocupantes principales de la filosofía oriental es aquel quien aprovecha el poder del Ki —y vincula las increíbles maquinaciones de Dragonball con nuestro mundo real. En la técnica “doblarse en el aire” del Ki, el practicante saca el poder de su pecho, provocando que el aire a su alrededor genere ondas de distorsión —y la fuerza de energía resultante impacte a su oponente. El Ki es tan fuerte que obtiene poder del universo, una vez que es canalizado a través de la habilidad del practicante en esta técnica. Su manifestación máxima es el movimiento “Kame-Hame-Ha”, de Goku.

Velasco Shaw y su equipo crearon varias formas de Ki apropiadas para el personaje. Por ejemplo, un personaje humano poseería un Ki diferente al de un extraterrestre o un híbrido extraterrestre-humano. Además, existe un Ki “más joven” para los personajes más adolescentes, y un Ki “más viejo”, más desarrollado, para Roshi.

Las icónicas y místicas Dragonballs fueron en gran medida obra del equipo de efectos visuales. “Todos tenían una idea de cómo deberían verse y cuál era su función”, comenta Velasco Shaw. Las Dragonballs, cortesía de la magia de las imágenes generadas por computadora, tienen una luminiscencia etérea, que se adaptan a propiedades sobrenaturales.

Velasco Shaw también supervisó dos creaciones hechas totalmente por computadora: la monstruosa criatura Oozaru, así como el Fu Lamm —demonios asesinos— que se regeneran cuando son desmembrados.

Alec Gillis y Tom Woodruff, Jr., directores de una de las principales compañías de maquillaje y prótesis de la industria, Amalgamated Dynamics Inc. (ADI), diseñaron y crearon el maquillaje prostético de Lord Piccolo. Las sofisticadas prótesis de Lord Piccolo, diseñadas por Gillis y Woodruff, fueron aplicadas por el maquillador de prótesis Edward French.

ACERCA DE LOS REALIZADORES

JAMES WONG (Director) nació en Hong Kong y se mudó con su familia a San Diego, California, cuando tenía diez años. En la Preparatoria El Cajon Valley conoció a su futuro socio de escritura, Glen Morgan. Ambos estudiaron en la Universidad Loyola Marymount, donde Wong tenía las intenciones de obtener un título en ingeniería, antes de haberse cambiado a estudios de cine.

Después de la graduación, Wong obtuvo un trabajo como asistente de la productora Sandy Howard. Durante este tiempo, Wong y Morgan escribieron guiones por si acaso, y eventualmente les produjeron uno, el implacable largometraje “The Boys Next Door”. A la postre, los dos fueron contratados como escritores de Stephen J. Cannell Productions, en las series “21 Jump Street”, “Booker” y “The Commish”.

Wong y Morgan llamaron la atención de Chris Carter, quien estaba montando la producción en Vancouver para una nueva serie titulada “The X-Files” (Los Expedientes X), acerca de dos agentes del FBI que se dedican a investigar lo paranormal. Wong y Morgan ayudaron a definir la dirección del programa durante sus primeras dos temporadas y fueron pieza fundamental en el desarrollo de los personajes. Su trabajo en “The X-Files” los llevó a más trabajos como escritores y productores de las series “Space: Above and Beyond”, “Millennium” y “The Others”.

En el 2000, Wong hizo su debut cinematográfico como director en el thriller “Final Destination” (Destino Final), que coescribió con Morgan. La película se convirtió en un éxito taquillero. A ésta, le siguió “The One” (El Único), protagonizada por Jet Li, y “Final Destination 3”, la tercera parte en lo que se ha convertido en una perdurable franquicia cinematográfica. Coescribió y produjo con Morgan las nuevas versiones de “Willard” (La Revolución de las Ratas) y “Black Christmas” (Gritos en la Oscuridad).


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