U2 3D’ SE ESTRENARA EN GUATEMALA EL PRÓXIMO 10 DE OCTUBRE EN IMAX PRADERA CONCEPCION

La película en 3-D sobre “Vertigo Tour”, la ultima gira de U2

U2 3D, la primera película rodada en tecnología digital 3D sobre el grupo U2 se estrenará en Guatemala, en el IMAX TEATHRE PRADERA CONCEPCIÓN el 10 de octubre. U2 3D es una experiencia cinematográfica única en la que el espectador puede sentir la energía de un multitudinario concierto en un estadio, ofrecido por una de las bandas más importantes del planeta.

Una fusión entre el innovador sistema de imagen digital 3-D, el mejor sonido multi-canal



surround y uno de los conciertos más brillantes de U2– rodado en Sudamérica durante los últimos



conciertos de su gira “Vertigo” – crea una experiencia cinematográfica única nunca antes



experimentada por el público en ninguna película 3-D o concierto filmado hasta la fecha.



Utilizando una nueva dimensión de rodaje, U2 3D transporta al espectador a un extraordinario



viaje que nunca olvidará.







A diferencia de otras producciones, U2 3D no se comercializará en DVD ni se emitirá en



plataformas de televisión, únicamente se proyectará en cines con tecnología 3D e IMAX 3D, ya



que el formato en el que está rodada no permite la explotación en el resto de ventanas.



U2 3D está dirigida por Catherine Owens, directora de contenidos visuales de U2 durante



más de 15 años y Mark Pellington director del video “One” de U2.







Para la producción se utilizaron una amplia gama de cámaras con tecnología 3-D nunca



antes usadas para un solo proyecto. El equipo de rodaje, especializado en la filmación de



conciertos multitudinarios, recogió las mejores imágenes de los shows ofrecidos por el grupo en



cuatro países diferentes: Méjico, Brasil, Chile y Argentina. Se filmaron un total de 100 horas de



metraje en sistema digital 3-D , inmortalizando un listado de canciones que incluye los temas más



emblemáticos del grupo como “Pride (In the Name of Love),” “New Year’s Day,” “Sunday Bloody



Sunday,” “Miss Sarajevo,” “Where the Streets Have No Name,” “With or Without You,” “Bullet the



Blue Sky” y “One,” así como sus éxitos más recientes como “Beautiful Day,” “Love and Peace or



Else,” “Vertigo,” “Sometimes You Can’t Make It On Your Own” y “Yahweh.”







Los productores de 3ality Digital Jon Shapiro, Peter Shapiro, John Modell y Steve



Schklair, junto con Owens, han producido esta película, una producción de 3ality Digital.



La producción ejecutiva corre a cargo de Sandy Climan, Michael Peyser y David Modell,



también integrantes 3ality Digital.







La película será distribuida en Guatemala por CIRCUITO ALBA (compañía que cuenta con su exclusiva sala IMAX TEATHRE de Pradera Concepción) y NATIONAL GEOGRAPHIC



ENTERTAIMENT.







Sobre “U23D”



A través de la dirección del director general de 3ality, Sandy Climan, los conocimientos



técnicos de la industria de Steve Schklair y el apoyo de David y John Modell (antiguos propietarios



del equipo ganador de la Super Bowl, los Baltimore Ravens), el proyecto "U2 3D" vio la luz a



través de los productores de contenidos de entretenimiento Jon y Peter Shapiro.



Con impresionantes imágenes en digital 3-D y el sonido 5.1 Surround, "U2 3D" captura la



emoción de un concierto de U2 como nunca antes se había hecho.











Sobre National Geographic Entertainment



National Geographic Entertainment (NGE) fue fundada en 2007, uniendo diferentes



grupos de operaciones como National Geographic’s Cinema Ventures, Feature Films, Kids



Entertainment, Home Entertainment y Music & Radio business units. NGE es parte de una nueva



corporación de la compañía de reconocido prestigio National Geographic Global Media (NGGM),



también fundada en 2007,los cuales reunieron a todas las plataformas editoriales de National



Geographic con el fin de simplificar aún más la colaboración y el apoyo entre las mismas.



Fundada en 1888 para "incrementar y difundir el conocimiento geográfico," National



Geographic trabaja para fomentar entre las personas el cuidado de nuestro planeta. Llega a más



de 300 millones de personas en todo el mundo cada mes a través de revistas, libros, medios de



comunicación digitales, televisión, radio, música y cine. Financia más de 250 proyectos científicos



de investigación, exploración y conservación cada año y apoya un programa de educación en la



lucha contra el analfabetismo.



Para más información www.nationalgeographic.com.







Sobre 3ality Digital



3ality Digital es una de las compañías más importantes del mundo digital 3-D, de la



producción y la postproducción. 3ality Digital está arraigada profundamente en la investigación,



tecnología y producción. Utiliza sus propias tecnologías avanzadas en el desarrollo y la



producción de largometrajes, contenidos alternativos (música y deportes) y la televisión digital en



formato 3-D.





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EL SABOR DE LA NOCHE (My Blueberry Nights)

Victor Hugo Juarez
guatemalanoticias@gmail.com


SINOPSIS
Una joven (Norah Jones) se embarca en un inolvidable viaje cruzando América en busca del amor verdadero. En el camino la joven se encuentra con una serie de enigmáticos personajes que le ayudan en su busqueda.

La historia está enmarcada entre el mágico paisaje urbano de Nueva York y las espectaculares vistas de la legendaria Ruta 66.

El talento único de Wong Kar Wai con sus estilizadas atmósferas y sus temas de ensoñación romántica combinado con estas míticas localizaciones americanas y un casting de primera línea garantizan que EL SABOR DE LA NOCHE será la experiencia cinematográfica de la temporada.
SOBRE LA PRODUCCION
Para poder dejar el penoso recuerdo del fin de una relación amorosa, Elizabeth (Norah Jones) inicia un viaje por EE.UU, luego de conocer al dueño de un bar, Jeremy (Jude Law) en Nueva York y en su camino se irá encontrando con varias personas, Sue Lynne (Rachel Weisz), Arnie (David Strathairn) y una apostadora, Leslie (Natalie Portman), que a veces la harán sentirse identificada y tanto la historia como el dolor ajeno, será determinante para que ella misma cierre heridas y desde su dolor los ayude a procesar muertes o reconocer los verdaderas emociones que los personajes sienten.
Para el director “ A veces la distancia tangible entre dos personas puede ser pequeña pero la emocional puede ser enorme. EL SABOR DE LA NOCHE es una mirada a esas distancias desde diferentes ángulos. Yo quería explorar esas extensiones, tanto figurativa como literalmente y las formas para acortar la distancia entre ellas.”

Con respecto a esta cita, vale destacar que a la inversa de aquella distancia emocional enorme en una distancia espacial pequeña, en el momento en que la protagonista y Leslie, luego de recorrer una pequeña aventura juntas apenas un par de fugitivos días -haber viajado juntas en un auto a Las Vegas, haber compartido una cama para dormir, más un hecho personal que las acerca - se apean en la ruta, cada una en un automóvil distinto, y se separan quizás para siempre; dos almas que compartieron intensamente una página de vida, pero esa misma vida las separa a pesar de un hondo sentimiento. Lo mismo sucede en la escena en que Jeremy y su ex novia – Katja - se reencuentran. Saben que es un perecedero instante para verse de nuevo, y que el tiempo no puede recuperarse, que no se puede volver atrás.


Katja dice” vine para recordar lo que sentía”. Momento fugaz, tanto el reencuentro como lo vivido, presente en el recuerdo del pasado. Asimismo huidizo, por el hecho de llegar a mirar lo que quedó atrás como efímero, como aquella imagen de las dos amigas que muestra el camino que se bifurca en dos destinos y cómo se miran a medida que se dejan, que se alejan, que se pierden en el horizonte, hasta extraviarse, hasta descarrilarse.


Los carriles, comunes al cine de W.K.Wai toman por asalto las imágenes y el relato. Los trenes, los tranvías, los caminos y las rutas. Elemento conector que une las historias de vida, que manifiesta la brevedad de momentos, la caducidad de lo pasajero y de lo transitorio y que, a su vez, une distancias de espacios, de tiempo, y de tiempos. Por eso, el Tiempo y el Espacio como cruce de variables se manifiesta en relojes, placas informativas en la imagen o relato por voz over de los personajes que van narrando el paso del tiempo Y especialmente en las noches, que, al llegar el día, se escapan; son en el film los trenes, que, en la ciudad y con la aceleración de imágenes, narran el paso de la noche, mientras Jeremy cena o limpia su café. La constante temática del realizador es la posibilidad y la concreción del amor, ver hasta dónde puede llegar el dolor, así como también le interesa investigar la separación de una pareja.


El duelo implica su inserción en el tiempo, el cual sana el dolor dejándolo pasar, escurriéndolo y menguándolo para, por último, olvidarlo. O lo contrario: lo coagula, lo escarcha y así solidificado no deja que se hunda, que no se venza, y entumecido, sigue doliendo.


El enfrentamiento que Elizabeth tiene con su recuerdo pertenecería al primero. El de Arnie, al segundo. Entre los rasgos que Wong Kar Wai opera en sus films, se encuentran los objetos que se manifiestan como latencia de ese dolor antes mencionado. En el caso de la joven, el encuentro azaroso con otro joven (Jeremy) la hace tropezar con una gran cantidad de llaves, que este guarda en un frasco sobre la barra de su bar. Los llaveros, pertenecientes a hogares de parejas sin posibilidad de reconciliación, guardan aquellos sentimientos pasados, congelan el tiempo, y a su vez enlazan todas esas historias de amor aglutinadas y detenidas sin posibilidad de escapatoria en ese frasco transparente. Una contracara simbólica para contrarrestar a los sentimientos que si se escapan y el devenir del tiempo que también pasa.


Entre pasteles de zarzamora y diálogos, Elizabeth mira por el video de la cámara del bar las grabaciones (las que también guarda Jeremy) de los encuentros de su ex con otra chica y el llanto derrama la herida que quiere sacar. Su ayudante en la causa es Jeremy, quien una noche la besa luego de quedarse dormida, para sacarle la crema que quedó en sus labios después de comer su pastel rojo.


Un flash back escoltado por el sonido de un tren, nos muestra el momento en que Elizabeth descubre a su novio con otra en su departamento, el viento en rallenti, mueve su falda y sin otro sonido que su voz over, estanca y dilata esa noche, ese recuerdo, ese llanto.


Así como las sombras de los trenes acechan a los personajes, los recuerdos los acosan. Norah Jones dice:”algunas veces nos espejamos” y así mira mirarse en otro. Los espejos son puestos en el relato cinematográfico mientras suceden las acciones. Y mirarse en los otros es lo que hace después durante su viaje.


La marca temporal día 57 a 1.200 millas de Nueva York, nos instala en la distancia de tiempo y lugar del proceso de su duelo. Pero se encuentra con Arnie, un policía, abandonado por su mujer, que para soportar la soledad y la memoria de Sue Lyenn, se emborracha todas las noches en un bar de Menphis en el que trabaja Elizabeth como mesera.


El elemento que manifiesta el dolor en Arnie, son unas fichas de juego, las cuales acumula cada vez más como expresión de no poder dejar el alcohol. Ella se ve en parte reflejada en la misma situación, lo comprende y también lo ayuda escuchándolo.

La distancia de la que habla el realizador, en cuanto al acercamiento corporal pero no sentimental, es puesto en escena cuando su ex mujer entra al bar y los personajes se encuentran a una distancia mínima. Arnie se acerca, loco de amor, y ella lo rechaza.

Cuando Arnie ya no tiene esperanzas de recuperar a su ex mujer, borracho, se olvida las fichas y las deja porque ya no las necesita. La muerte en este caso, es un elemento que podría significar un corte más, el concepto de “que” cosas se van muriendo en Elizabeth para dar paso a nuevas experiencias de vida. A su vez la muerte conmueve a su ex mujer, la cual lamenta no haber podido tener una mejor relación con Arnie y reconoce-tarde- un cariño todavía latente en ella. Luego de conocer a la apostadora y vivir aquel suceso, la protagonista, decide volver a Nueva York, y con el objetivo cumplido, automóvil propio y duelo saldado, mira nuevamente su antiguo departamento del que cuelga un cartel que dice: “For rent” y está vez vuelve a ver sin dolor aquel primer piso.


Cuando vuelve a ver a Jeremy éste ya no conserva las llaves y reiteran la ceremonia de las tortas, aparece la misma canción de principio de los créditos, la cual ahora cierra la historia y donde ahora sí vemos un nuevo beso que se repite y ella, ahora despierta, le corresponde, dando comienzo a una nueva historia de amor.
Luego de un viaje de exploración interior, un rasgo puntual es el mirar de los personajes. Elizabeth se mira a sí misma en sus sentimientos, los acepta, los atraviesa, los rastrea, así como ayuda al personaje de Portman a sincerarse con ella en cuanto a sus sentimientos para con su padre. Leslie mira a Elizabeth, antes de emprender el camino cada una por su lado. La apostadora mira a la mesera, la cámara frena los movimientos, la jugadora embustera y experta en estudiar a la gente con dobleces, se queda atrapada y al descubierto mirando admirada a otro ser -Elizabeth-tan distinto a ella. Un ser sin trampas, sin máscaras, auténtico. Que a la vez ayudó a que pudiera enfrentarse con la muerte de su padre, a quien la jugadora no quiso ver antes de morir y con quien negaba tener un sentimiento.


En una época en que cada vez nos miramos menos, porque todo corre cada vez más rápido, todo se pierde, todo se escapa, se escurre, todo es fugaz, nada mantiene su pureza, el film nos propone detenernos mirar, a mirarnos, antes de despedirnos, y a ser sinceros con nosotros mismos, ver desde la distancia pero también más cerca, más detenidamente


El sabor de la noche llega con mucha publicidad y expectativa a las carteleras, no solo porque se trata de la última producción del destacado director Wong Kar Wai, sino también por tratarse de su primer incursión cinematográfica en Estados Unidos, ayudado en esta iniciática empresa por actores de la talla de Natalie Portman y Jude Law


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“LADRÓN QUE ROBA A LADRÓN” una produccion de corte internacional

Victor Hugo Juarez
guatemalanoticias@gmail.com

En cualquier rincón del planeta, uno puede prender la TV y encontrar vendedores de ilusiones ofreciendo productos mágicos. Pastillas para adelgazar sin esfuerzos, afrodisíacos súper potentes y hasta la cura para enfermedades incurables son algunos de los milagros que venden estos estafadores. Lo más indignante es que la mayoría de los compradores son personas desesperadas con sus recursos ya agotados.

El director Joe Menendez ha formado un combinado de actores famosos por sus participaciones televisivas para contar la historia de dos ladrones que deciden robarle a uno de estos vendedores. La película se titula Ladrón que roba a ladrón y cuenta con la presencia de Fernando Colunga, Miguel Varoni, Saúl Lisazo y Gabriel Soto, entre otros.

El filme presenta a dos expertos ladrones, llamados Emilio (Varoni) y Alejandro (Colunga). Ambos planean robarle al millonario Moctesuma Valdez (Lisazo), una famosa figura de los anuncios televisivos que ofrecen productos de dudosa eficacia a los inmigrantes pobres. La intención de los delincuentes es reunir a su equipo de ladrones profesionales y situarlos, poco a poco, en la vida cotidiana de Valdez.

Sin embargo, los especialistas se niegan y los creadores del plan terminan acudiendo a un grupo de verdaderos trabajadores inmigrantes sin ninguna experiencia en el mundo delictivo. Este equipo de perdedores decide llevar adelante una tarea casi imposible, con escasas probabilidades de éxito. Sin embargo, los nuevos estafadores confían en sus capacidades.

El director Menéndez y el guionista JoJo Henrickson siguen las convenciones de las películas de robos, pero lo hacen de una manera en la que los personajes parecen dirigir la historia y no al revés. Definitivamente se aseguran de que su crítica social no se pierda en el camino, entretejiendo problemas contemporáneos en las relaciones laborales sin temor a mostrar con cual lado de estas disputas simpatizan. Satirizan a políticos, aparentemente de ambos partidos, Villaraigosa entre ellos, mostrándolos como instrumentos — payasos y socios de indeseables y explotadores - de los hombres de negocios.

El guionista de la película, JoJo Henrickson, también actúa en la cinta. Esta situación, en opinión de Colunga, resultó interesante para el resto de los actores, ya que han podido intercambiar opiniones sobre los personajes y las distintas escenas.

PROTAGONISTAS

Fernando Colunga: Nació el 3 de Marzo de 1966, en la Ciudad de México. Se inició en el cine haciendo doblajes y papeles pequeños, se matriculó en el Centro de Educación Artística de Televisa en 1990. En 1995 consiguió su primer papel protagónica en la telenovela “María La Del Barrio”. En el año 2000 obtuvo el premio TVyNovelas al mejor actor masculino. Y ahora vuelve al cine con la película “Ladrón que roba a ladrón”.

Saúl Lizaso: Nació el 1 de Junio de 1956 en la Ciudad Los Toldos, Argentina. Saúl hizo su primera novela "Amor de nadie" con Lucia Mendez. Sus más importantes trabajos han sido:"Tiempo de campeones", "Cartas de amor" en teatro y en las novelas "Acapulco cuerpo y alma", "La jaula de oro", "Vivo por Elena", "Por tu amor" y "Gitanas", y su más reciente actuación en la película “Ladrón que roba a ladrón”.

Miguel Varoni: Nació el 11 de diciembre de 1964 en Buenos Aires, Argentina. Desde pequeño se inclinó por la actuación y la dirección. Empezó a actuar en “Las Señoritas Gutierrez” cuando tenía 14 años. Creció entre las bambalinas de los escenarios. La carrera artística del actor colombiano ha sido reconocida por la gran trayectoria que ha desarrollado en el país que adoptó como suyo, por ello ha incursionado como actor, director de cine y TV y productor.


Gabriel Soto: Nació el 17 de Abril, en la Ciudad de México. Participó en el certamen Mr. Mundo en 1996, e inició a modelar. Una de sus metas era convertirse en un actor reconocido, y lo logró al realizar el papel de Ulises “El Feo” en la telenovela “Amigas y Rivales”. En 2005 regresa a Los Ángeles donde estuvo tomando cursos de actuación para cine, y en 2007 forma parte del elenco de la película “Ladrón que roba a ladrón”.


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No te metas con Zohan

Victor Hugo Juarez
guatemalanoticias@gmail.com


En No Te Metas con Zohan, una comedia de los guionistas Adam Sandler, Robert Smigel y Judd Apatow (Knocked Up), Sandler interpreta a Zohan, un importante comandante israelí que simula su propia muerte a fin de consumar un sueño: marcharse a Nueva York y convertirse en estilista. A pesar de que él desea dejar atrás su experiencia como antiterrorista, enseguida se percata de que no es fácil escapar a las propias raíces. Sus nuevos y viejos enemigos aprenderán una misma lección mientras intentan acabar con él: Nadie se mete con Zohan.

LA HISTORIA

El comandante israelí Zohan Dvir (Adam Sandler) – conocido a lo largo y ancho de su nación como El Zohan – es el antiterrorista más famoso de su país. Altamente capacitado, aparentemente indestructible, Zohan es tan bueno seduciendo mujeres como lo es destrozando enemigos, incluyendo su némesis, el terrorista palestino Fantasma (John Turturro). Pero Zohan mantiene algo en secreto... a pesar de que su amor por su patria es innegable, se ha hartado de tanto luchar, y anhela la oportunidad de abandonar el ejército y comenzar a expresar su creatividad transformándose en estilista. Sin embargo, mientras se encuentre inmerso en la lucha contra el terrorismo, su sueño jamás podrá materializarse y esto le hace llorar por las noches cuando contempla las imágenes de un libro de Paul Mitchell publicado en 1987 que el héroe mantiene oculto en su dormitorio.

Pero entones Zohan vislumbra una oportunidad tras la reaparición del Fantasma. En vez de acabar con él, Zohan finge estar su muerto y escapa, lo que hace que el Fantasma se deleite creyendo que finalmente ha podido deshacerse de su archienemigo. Acurrucado como puede en un avión con destino a Nueva York, llevando consigo solamente sus ropas y un sueño, El Zohan se esconde en un contenedor de carga junto con dos perros, Scrappy y Coco.

Su primera parada es el Salón de Belleza de Paul Mitchell y ahí mismo decide cambiar de identidad, convirtiéndose en “Scrappy Coco”. “Scrappy” espera ser contratado, pero sus modales anacrónicos son motivo de burla. Sin embargo, El Zohan no se detendrá hasta cumplir con su objetivo: hacer del mundo algo tan suave como la seda.

Tras defender a Michael (Nick Swardson), un personaje muy endeble que se ve involucrado en un accidente de tránsito, El Zohan encuentra por fin un lugar donde pernoctar – en el piso superior del departamento que Michael comparte con su madre, en Brooklyn.

Esa misma noche, The Zohan visita por primera vez en su vida una discoteca norteamericana. A pesar de que no cesa de repetir que su nombre es Scrappy Coco, su verdadera identidad es rápidamente detectada por Oori, un inmigrante israelí que reconoce inmediatamente a su héroe nacional y al que sencillamente le resulta increíble que El Zohan se encuentre vivo y coleando en Nueva York. Oori promete guardar el secreto acerca de su identidad.

Tras ser rechazado en todos los salones de belleza que visita, El Zohan decide ir a ver a Oori, quien trabaja en una tienda de artilugios electrónicos, y se queda sin habla al constatar que en este barrio, israelíes y palestinos viven lado a lado e incluso logran mantener una calma relativa. Oori conoce un sitio que sin duda le abrirá las puertas a El Zohan... un salón de belleza algo arruinado que cuenta con una clientela más vieja. Sólo que hay un pequeño problema: se encuentra ubicado en la acera de los árabes. El Zohan lo duda por unos instantes – después de todo, él ha venido aquí a fin de alejarse de la violencia, pero, ¿podrá someterse a las órdenes de un palestino? La dueña del salón, Dalia (Emmanuelle Chriqui), también se muestra renuente – “Scrappy Coco” no tiene experiencia como peluquero. A fin de alcanzar su meta, El Zohan persevera y Dalia cede. Puede que por lo pronto “Scrappy Coco” no haga más que limpiar los suelos del local, pero al menos es un comienzo...

...y pronto obtendrá su oportunidad cuando uno de los estilistas de Dalia renuncia repentinamente. Con un primer cliente sobre una de las sillas del salón, El Zohan demuestra que puede estar a la altura de las circunstancias. A pesar de que sólo puede imitar los peinados de su antiguo libro de Paul Mitchell, su clienta – fascinada tanto con el desempeño como con la voz tan sexy de El Zohan – se muestra más que satisfecha con los resultados. El sueño de Zohan constituye un destino. Las mujeres de edad comienzan a esparcir la noticia: Scrappy Coco es garantía.

Todo marcha perfectamente. El Zohan ha logrado hacer del mundo algo tan suave como la seda. El negocio prospera y esto le permite a Dalia pagar la exorbitante renta que los nuevos dueños de la cuadra le exigen. Zohan y Dalia se han enamorado. Pero los problemas han comenzado a asomar la cabeza.

Salim (Rob Schneider), un taxista palestino que desde tiempo inmemoriales detesta al antiguo comandante, reconoce a Zohan y decide acabar don él. Tras algunos intentos fallidos, Salim contacta al Fantasma y le revela que El Zohan sigue con vida, y, así, el infame terrorista decide inmediatamente abrirse camino hasta Nueva York.

Para Zohan, esto representa un desastre – no porque le tema al Fantasma, sino porque ha venido a América decidido a dejar la violencia atrás. Ni en sueños imagina que el Fantasma y él tendrán que unirse contra un enemigo común que pretende hace estallar el barrio en mil pedazos.


ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

El personaje de Zohan, un muy bravo soldado israelí que abandona el juego del antiterrorismo a fin de materializar el sueño de su vida: ser estilista, se le ocurrió a Adam Sandler hace muchos años, e inmediatamente puso manos a la obra para hallar la mejor manera de convertir todas esas imágenes en un guión coherente. Para ello, trabajó con dos buenos amigos: su condiscípulo en “Saturday Night Live” Robert Smigel, y su otrora coinquilino (y actualmente peso pesado de la Comedia) Judd Apatow.

No te Metas con Zohan forma parte de un terreno ya conocido para los escritores. “Mi interés en torno de guiones que incluyeran personajes de extracción israelí comenzó durante mi estancia en “Saturday Night Live”, dice Smigel, quien fuera guionista de ese programa durante años. “Extrañamente, el primer sketch de Adam fue ‘The Sabra Shopping Netwok’, que yo escribí y que concierne a unos cuantos israelíes”.

No te Metas con Zohan también supone un retorno a las raíces para Sandler- al fin y al cabo, en esta ocasión vuelve a interpretar a un salvaje y excéntrico personaje, tal y como hizo en “Saturday...”, e incluso durante la primera etapa de su carrera cinematográfica. “Los admiradores de Adam se han acostumbrado a verlo interpretar personajes en realidad muy próximos a su propia personalidad”, añade Smigel. “Pero, a pesar de que Zohan puede hacer un sinnúmero de ejercicios físicamente intrincados, no por ello deja de ser un tipo tontorrón y vulnerable, como Adam”.

Según el director Dennis Dugan, No te Metas con Zohan constituye una especie de arena en la que Zohan debe confrontar a un oponente tan descomunal como él mismo, alguien que además es terrorista: El Fantasma, interpretado por John Turturro. “Alí contra Frazer; Los Celtics y los Lakers; Los yenkees contra Boston; El Zohan versus el Fantasma”, dice Dugan. “Una rivalidad salvaje”.

A pesar de que el fundamento de la historia constituye uno de los problemas más acuciantes del escenario sociopolítico actual, los realizadores trataron de convertir todo su argumento en una comedia amena. Sin embargo, Rob Schneider, uno de los miembros más representativos de la ‘Familia’ Happy Madison y que en esta ocasión interpreta a Salim, el taxista palestino, comenta que es posible que sólo el género de la comedia sea capaz de abordar una problemática tan grave. “Este género hermana a las personas”, dice. “El Zohan es un personaje decididamente ridículo – tan ridículo que sólo puedo esperar que la gente baje la guardia y ría al unísono”.

La cinta incluye asimismo una cierta cantidad de hilarantes apariciones especiales. Dave Matthews – músico y líder de su banda epónima – y Kevin james se han reunido una vez más con Sandler tras haber aparecido con anterioridad en I Now Pronounce You Chuck & Larry. Michael Buffer, la voz de un famoso comercial norteamericano, desempeña un papel muy particular en la nueva cinta. Y Mariah Carey, la cantante más exitosa de todos los tiempos, quien hace pocos meses volvió a hacer historia colocando varias canciones en los primeros lugares de las listas de popularidad, aparece como ella misma (y como ídolo de israelíes y palestinos). Uno de sus temas, “I’ll Be Lovin’ You Long Time”, tercer sencillo de su más reciente álbum, puede ser escuchado durante la película.

Pero las apariciones especiales no se detienen ahí. Entre muchas otras sorpresas, la cinta nos muestra asimismo a gente como Kevin Nealon, John McEnroe, Charlotte Rae (la Señora Garret en la serie “The Facts of Life”) y a Sid Ganis, presidente de la Academia. “Quizá no seamos nominados para un Oscar en esta ocasión, pero eso se deberá a que Sid debe aparentar una cierta neutralidad”, comenta Smigel.

El director Dennis Dugan ha logrado fundir lo serio y lo ridículo. Dugan ha dirigido otros éxitos de Sandler, entre ellos Happy Gilmore, Big Daddy y I Now Pronounce Yoy Chuck & Larry, así como The Benchwarmers, un proyecto de la Casa Productora Happy Madison, además de muchas otras películas y programa de televisión.

EL PROCESO DE SELECCIÓN DEL ELENCO

Cuando Adam Sandler decidió desempeñar el papel de Zohan, la solidez de su compromiso dejó a todo mundo boquiabierto. “Sandler trabajó duramente. Se entrenó con un miembro de la Marina durante cuatro meses”, dice Smigel. “Levantó pesas, corrió como loco, hizo calistenia, dejó la botana. Nunca en mi vida lo había visto tan contento”.

Asimismo, Sandler practicó mucho hasta perfeccionar su acento israelí. En esta tarea recibió el apoyo de Ronit Ravich-Boss, supervisora de guiones, quien proviene de Israel. Ella le ayudó mucho en el plano de la pronunciación y de la utilización de lenguaje. Además, su presencia jamás resultó estorbosa. “A veces, Adam le pedía a Ronit una palabra o una definición en hebreo”, comenta Dugan. “Si la palabra nos sonaba graciosa al ser pronunciada, se quedaba”.

Otro de los consejeros de Sandler fue Eythan Ben-David, quien – tal y como suele ocurrir cuando la vida imita al arte – es un antiguo soldado de la armada israelí que en la actualidad trabaja en un salón de belleza en Los Ángeles. Ben-David le ofreció toda suerte de ‘tips’ a Sandler, sobre todo en lo concerniente al talante y personalidad de los estilistas, a la manera como se deben coger unas tijeras y al argot propio de dicho gremio.

Sin embargo, y a pesar de todo esto, insuflarle vida a Zohan no fue sencillo ni requirió solamente de un poco de spray y acondicionador. Sandler también se entrenó para estar en forma y poder pasar por un agente antiterrorista digno. Otro consejero muy importante fue Scott Rogers, coordinador de dobles y acróbatas, y veterano de las cintas Spider Man 2 y 3 y Sky High. Tal y como Dugan explica, Scott fue el responsable de que El Zohan pudiese hacer ostentación de sus extraordinarias habilidades. “Queríamos que todas las acrobacias resultaran frescas y originales”, dice Dugan. “En realidad, no deseábamos nada muy cómico en ese plano, nada semejante a lo que hace Jackie Chan, sino algo real, brutal, temerario y terrorífico – y de ser posible, mostrando a un tiempo la increíble destreza del gran Zohan”.

Smigel sabe muy bien que cierto detalle específico logró hacer que Sandler decidiera interpretar este papel. “Creo que deseaba realizar algo así antes de volverse viejo y resultar espantoso a la vista con el torso desnudo”, dice.

ACERCA DEL ELENCO

ADAM SANDLER (Zohan/Guionista/Productor) ha disfrutado de un éxito tremendo en la industria del entretenimiento gracias a su labor como actor, escritor, productor y músico.

Sandler fue visto por última vez junto a Kevin James y Jessica Biel en la exitosa comedia I Now Pronounce You Chuck & Larry (Universal), que el mismo día de su lanzamiento alcanzó el primer lugar en la lista de las cintas más taquilleras. Un poco antes, compartió pantalla con Don Cheadle en Reign Over Me, cinta de Columbia Pictures dirigida por Mike Binder, y estelarizó las taquilleras Click, en donde Kate Beckinsale desempeña otro de los papeles principales, y The Longest Yard, en donde comparte escena con Chris Rock y Burt Reynolds. Asimismo, Sandler y Tea Leoni protagonizaron Spanglish, de James L. Brooks. También apareció junto a Jack Nicholson en Anger Management; y en Punch-Drunk Love, cinta por la que fue nominado para un Globo de Oro.

Sandler debutó en la pantalla grande con la cinta Coneheads, en donde aparece junto a Dan Aykroyd y Jane Curtin. A lo largo del tiempo, el actor se ha transformado en una especie de mini-estudio viviente ya que le gusta verse involucrado en todos los aspectos de la cinematografía. The Wedding Singer, cinta en la que asimismo trabaja la estrella Drew Barrymore, constituyó el primer éxito en taquilla de 1998, y durante su primer fin de semana logró recaudar más de $22 millones de dólares. La película subsiguiente, The Waterboy, recaudó $40 millones de dólares durante su primer fin de semana en las salas de cine. Algunas de sus cintas más recientes, entre ellas Big Daddy, Mr. Deeds, Anger Management y 50 First Days han logrado obtener ganancias por más de $100 millones de dólares c/u.

ACERCA DE LOS REALIZADORES

DENIS DUGAN (Director) es un talentoso cineasta cuya versátil carrera abarca más de dos décadas. Dugan es considerado uno de los directores de comedia más importantes de la industria, e incluso podríamos decir que se ganó esta reputación gracias a éxitos tan ilustres como Big daddy y Happy Gilmore, cintas que contaron, además, con la participación estelar de Adam Sandler. Otras cintas igualmente famosas incluyen Saving Silverman, protagonizada por Jack Black y Amanda Peet; y Beverly Hills Ninja, estelarizada por Chris Farley. Recientemente dirigió I Now Pronounce You Chuck & Larry, en la que aparecen actores de la talla de Adam Sandler, Kevin James y Jessica Biel. Además, dirigió The Benchwarmers, estelarizada por Rob Schneider, David Spade, Jon Heder y Jon Lovitz, así como National Security, protagonizada por Martin Lawrence.



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El suspenso y la intriga vuelve con El regreso

 

El suspenso y  la intriga vuelve con El regreso

Victor Hugo Juarez

guatemalanoticias@gmail.com

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Joanna (Sarah Michelle Gellar) es una profesional de éxito que trabaja como representante de ventas de una compañía camionera. Pero su vida privada es más complicada: se ha apartado de su padre (Sam Shepard), tiene pocos amigos y vive acosada por un ex novio que está obsesionado con ella (Adam Scott). Teme estar perdiendo el control de su vida. Además, Joanna ve y siente el brutal asesinato de una mujer que no conoce. El implacable asesino parece haberla tomado como su próxima víctima. Decidida a defenderse, Joanna se ve guiada por sus pesadillas hasta el lugar donde nació la mujer asesinada: La Salle, en Texas. Allí se siente atraída por un desconocido, Terry (Peter O’Brien), y descubre que hay secretos que no pueden enterrarse, que hay espíritus que nunca mueren y que el asesinato que está tratando de resolver puede ser el suyo propio.

CÓMO SE HIZO "EL REGRESO (THE RETURN)"

Después de que un amigo íntimo sufriese una pérdida personal, el guionista Adam Sussman sintió el impulso de “escribir algo sobre la forma en que los muertos se relacionan con los seres vivos. No se me ocurría nada hasta que descubrí una serie de casos documentados científicamente sobre niños que tenían recuerdos espontáneos de cosas, personas y lugares que era imposible que hubieran conocido”. “Tras investigar un poco más y leer sobre los recuerdos y las historias a las que esos niños tenían acceso, descubrí que solían tener un elemento común: siempre había habido un acto violento, una vida había quedado segada demasiado pronto… y por tanto existía una razón para el regreso”.

Con esa base, Sussman creó el personaje de la protagonista, Joanna Mills, y desarrolló en torno a ella el argumento de un thriller sobrenatural: “Disfruté escribiendo las escenas de ‘susto’, los grandes momentos de miedo y los -espero- sorprendentes giros de guión. Situé la acción en el Medio Oeste porque es una zona que adoro, aunque yo sea de Nueva York, y porque pienso que los escenarios remotos dan más miedo”.

  Al productor Aaron Ryder le encantó el guión de Sussman: “Me atraen las películas que son un poco más complejas que el cine convencional. Y hacía mucho tiempo que no leía nada como esto. EL REGRESO – THE RETURN cuenta una historia terrorífica sobre una persona que está hechizada y acosada por espíritus de una forma que resulta incomprensible. Pero es también una historia cautivadora de dos almas gemelas que tratan de volver a estar juntas. La complejidad de este tipo de thriller permite desarrollar una base emocional. Me gusta la idea de tener una protagonista fuerte que trabaja en un mundo de hombres y me gusta el viaje que emprende Joanna, lleno de visiones intensas y situaciones extraordinarias. Tiene que descubrir qué o quién está tratando de poseerla, y por qué”.

  El productor Jeffrey Silver añade: “Joanna emprende una búsqueda pero no sabe de qué. Nos hemos documentado bien pero, en cuanto cineastas, nos importan menos los detalles específicos de cada caso que el interior del ser humano. Cuando tenemos esa sensación de déjà vu, ¿a qué lo atribuimos?”.

  Ryder observa: “Hablé con un hombre que me explicó cómo puedes despertarte y sentir otra presencia en tu alma. Creo que todos compartimos un temor universal a perder el control y vernos poseidos por nuestros propios demonios. Eso es lo que le ocurre a Joanna, literalmente”.

  Silver dice: “La premonición es una buena base para hacer un thriller. Lo que da más miedo en EL REGRESO – THE RETURN es la expectación de que algo terrible va a pasar de un momento a otro. El tono con el que se cuenta la historia es de serenidad en la superficie, pero siempre te estás esperando lo peor. Esa premonición impregna los paisajes de la película”.

Para contar la historia de Joanna, Kapadia buscó una interpretación específica: “La idea de EL REGRESO – THE RETURN es que la gente sigue un camino determinado y que no somos seres independientes. Hay alguna fuerza que conecta las cosas entre sí. Es posible regresar para corregir algo que quedó inacabado en otra vida”.

  El proceso de casting comenzó en serio una vez que Ryder comprobó que Sarah Michelle Gellar había leido el guión y había respondido positivamente. “Sarah tiene una legión de fans. Les va a encantar ver cómo se pone a prueba como actriz en EL REGRESO – THE RETURN. Encarna un tipo de personaje que no le habíamos visto hacer, creo que se sintió atraida por la complejidad y la seriedad del personaje de Joanna”.

  Silver dice: “De acuerdo con su enfoque, Asif despoja de adornos a Joanna y se centra en sus motivaciones básicas. El personaje sufre una aterradora partición psicológica y Sarah se ha enfrentado al reto de hacerlo suyo. Ha hecho un gran trabajo”.

  Dice la actriz: “Al principio Joanna está perdida. Vive su vida pero no la siente. Tuvo una infancia difícil, huyó de casa, tiene un trabajo que no le apasiona pero que hace bien y que le permite viajar. Así, no pasa nunca el suficiente tiempo en un sitio como para tener que preocuparse de echar raíces. Pero le empiezan a pasar una serie de cosas y pronto pierde el control, lo que le hace embarcarse en un viaje tan aterrador como apasionante. Somete a su propio cuerpo a momentos de violencia. He hablado con gente que se ha hecho lo mismo que ella se hace y hemos discutido el principio del placer y del dolor. Primero viene el dolor, y luego una forma

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La tripulación Dave llega a las salas de cine

A divertirse con la tripulación Dave

Victor Hugo Juarez

guatemalaempresarial.com

guatemalanoticias@gmail.com

Dave Ming Chang (Eddie Murphy), recién llegado a la ciudad de Nueva York, podría ser el pez fuera del agua supremo. Hay algo en él que no está del todo bien —para empezar, parece estar notablemente fuera de lugar y no parece estar cómodo dentro de su propio cuerpo. Y por una buena razón: “Dave” no es un hombre, sino una nave hecha a semejanza de su capitán, que es una miniatura. Es el pequeño Eddie en la GRAN comedia familiar MEET DAVE.

Así que conozcamos a Dave. Tiene cuarenta y tantos años, es de aspecto agradable y viste de manera elegante, a pesar de que su atuendo —un traje blanco, corbata negra e impecable pañuelo negro metido en la bolsa de su saco— se remonta a la época disco de los años 70. Pero más allá de su añeja vestimenta, hay algo en él que no está del todo bien. En definitiva, no pertenece al vecindario…vaya, ni siquiera está cerca. Incluso la manera en como camina es…extraña; conforme se abre paso por las calles de Nueva York, una de sus piernas sale disparada demasiado lejos con cada paso que da, como si no estuviera a gusto dentro de su propio cuerpo.

Y por una buena razón: adentro de “Dave” hay un equipo capacitado de gente en miniatura —un mundo dentro de un mundo— que intenta febrilmente dirigir toda acción y conversación de Dave. En cada sección de su “cuerpo” un experimentado miembro de la tripulación (estatura promedio: 4 centímetros y medio), que porta una insignia que describe una parte específica de la anatomía de Dave, manipula una consola de alta tecnología que controla los movimientos de Dave.

Pero la tripulación de Dave, bajo la dirección del capitán de quien Dave tomó su físico, está experimentando una ardua curva de aprendizaje. Cuando Dave intenta beber su primer sorbo de agua, una tremenda oleada cae de sopetón, para empapar a todos dentro. Cuando Dave se prueba algo de ropa, una camisa se convierte en una bestia de algodón empeñada en asfixiarlo. Cuando va a realizarse un simple examen médico, el metálico Dave deberá luchar contra las formidables fuerzas magnéticas de una resonancia. Y un banquete de tubos de carne procesada, a los que aprende a llamar “hot dogs”, termina en una situación explosiva adentro de un baño de hombres.

Conforme Dave —a saber, aquellos adentro de Dave— navega lentamente a través de estos retos físicos, comienza a experimentar algo con efectos mucho más profundos. Una ráfaga de emoción toma por sorpresa a la tripulación, gente que proviene de un lugar donde los sentimientos y la individualidad son desalentados. Dave está cambiando —de dentro hacia fuera, y viceversa.



Durante más de dos décadas, Eddie Murphy ha reinado como uno de los actores cómicos más populares del cine —insuperable en su habilidad para interpretar múltiples papeles en un solo proyecto. En MEET DAVE, sus prodigiosos talentos físicos y cómicos se exhiben como nunca antes, al interpretar dos papeles —como una nave del tamaño de un hombre operada por 100 mini-tripulantes, y como el capitán que dirige la nave, construida como un fiel retrato a éste. “Es Eddie haciendo lo que mejor hace”, comenta el director Brian Robbins.

Pero mucho antes de que Murphy se convirtiera en “Big Dave” y “Little Dave”, a los guionistas Rob Greenberg y Bill Corbett se les ocurrió la idea de un mundo de gente pequeña dentro de un mundo mucho más grande, en una nave que cobra forma humana. El que se les haya ocurrido la descabellada idea de este mundo dentro de un mundo fue solamente el principio. Greenberg y Corbett pasaron mucho tiempo puliendo la premisa y haciéndola tan real como fuera posible dentro de su contexto cómico e inusitado. “Puedes tener una idea grandiosa y absurda, pero el reto es convertirla en una buena historia que sea divertida y auténtica”, comenta Corbett. “Queríamos crear personajes y temperamentos intensos, cada uno de los cuales se encuentra en un viaje para encontrar, de menos, un poco de humanización”.

“Nadie ha explorado esta idea —al menos hasta este punto”, añade Greenberg. “Queríamos darle a este grandiosa y alocada premisa una impresión de realidad —crear relaciones y emociones verosímiles, sin sacrificar los grandes ritmos de la comedia”.

La historia de comedia familiar de Greenberg y Corbett llamó la atención del productor David T. Friendly, cuyos múltiples créditos incluyen la taquillera comedia de Twentieth Century Fox “Dr. Dolittle”, también protagonizada por Eddie Murphy. “Después de haber leído el primer acto, supe que quería hacer esta película”, comenta Friendly. “El guión evocaba historias de peces fuera del agua con bases románticas. Y no dejaba de sorprenderme”.

El guión también había llamado la atención de los productores Jon Berg y Todd Komarnicki, otrora socios en la compañía de producción Guy Walks Into A Bar. Al igual que Friendly, estaban intrigados con la descabellada premisa del pez fuera del agua y su fusión con la comedia física y la emotividad. “Todd [Komarnicki] leyó el guión en un vuelo nocturno de regreso a Nueva York”, recuerda Berg, “y a las dos horas de viaje, ya estaba escribiendo mensajes frenéticamente que envió tan pronto y aterrizó: ‘Tenemos que comprar esto, tenemos que hacer esta película’”.

Para reiterar la directriz de los guionistas Greenberg y Corbett, Robbins indica, “La primera cosa que queríamos hacer era una película divertida. Después, queríamos darle un tipo de encanto y emotividad. Los vínculos entre los personajes le dan a la película su esencia, que está envuelta en la comedia”.

La compleja logística del proyecto era intimidante. “Fue complicado darle vida a una película como MEET DAVE”, comenta Robbins. “Hay todo un mundo en el interior de la cabeza de Dave / Eddie, donde existen estas personas minúsculas. Después tienes a Dave ahí afuera en el mundo ‘real’. En seguida, y por encima de todo ello, tienes a Eddie interpretando a una nave en el exterior y al capitán de la nave en el interior.

“Al principio estaba nervioso, preguntándome cómo iba a interconectar todos estos elementos”, continúa Robbins. “Cómo iba a ser Dave, porque no es humano y no es un robot — ¡es una nave!”.

Mientras Robbins luchaba contra estos retos, Murphy se estaba introduciendo fácilmente en los zapatos de Dave y del Capitán. “El primer día de rodaje le tomó a Eddie quizás 45 minutos en apropiarse de los personajes”, recuerda el director. “Hizo los papeles diferente con respecto a cualquier otra cosa que haya hecho antes”.

El productor Todd Komarnicki estaba maravillado con los prodigiosos talentos cómicos de Murphy, a los que Komarnicki compara con aquellos de algunos de los titanes de la comedia más renombrados en la historia del cine. “En MEET DAVE, Eddie está haciendo la clásica comedia física de la vieja escuela, en la misma línea de Buster Keaton y Charlie Chaplin. Cuando interpreta a la nave [también conocida como “Dave”] mientras se abre paso por la ciudad de Nueva York, intentando disimular el hecho de que no es uno de nosotros, hay una inocencia y pureza en su actuación que puedes ver toda en la espiritualidad de su mirada”.

Murphy proyecta la rigidez de una nave inanimada, al emplear la agilidad que ha marcado tantas de sus memorables actuaciones. “Tiene la gracia de un bailarín y la concentración de un boxeador”, comenta Friendly. Komarnicki añade: “La precisión técnica de Eddie se demuestra cabalmente cuando le da vida al descontrol de Dave conforme el personaje aprende a caminar, a aventar una pelota de béisbol o a bailar. Todas estas cosas ya las damos por sentado, pero Eddie en el papel de Dave hace que se vean nuevas y sorprendentes”.



Gran parte del humor y emotividad del filme se presenta cuando Dave y compañía se topan con las singulares características y vitalidad de la ciudad. La ciudad es un elemento clave de la historia, así que, como indica el productor David T. Friendly, escenas críticas tuvieron que ser filmadas en locación, en la Gran Manzana. “Uno de los héroes de esta película es la ciudad de Nueva York, con todo su caos, color y locura”, comenta. Y no deja de ser apropiado que algunas de esas escenas se lleven a cabo en Liberty Island —el símbolo de bienvenida para tantos recién llegados a los EEUU.

Como Dave.



DISEÑANDO A DAVE

Clay A. Griffith, diseñador de producción de MEET DAVE, se enfrentó a un reto único: diseñar el interior de una nave que tuviera que asemejarse estructuralmente a los funcionamientos internos de un cuerpo humano. Griffith se había inspirado en edificios tales como el TWA Flight Center en el Aeropuerto Internacional John F. Kennedy, de Nueva York, cuyo diseño futurista corrió cargo de Eero Saarinen. “Tiene un aspecto muy parecido al de un cráneo y no tiene ángulos rectos en él”, explica Griffith. “Son curvas compuestas que se unen con otras. Pensé que ése sería un buen lugar para comenzar, porque el cuerpo humano no tiene muchos ángulos rectos”.

Griffith también estudió el trabajo del arquitecto español Santiago Calatrava, quien diseñó el Museo de Arte de Milwaukee. “Parece ser una cosa viviente”, comenta. “Es muy orgánico. Creamos la columna vertebral como si fuera un hueco de elevador para ir a diferentes niveles de la nave. Te puedes bajar en cualquier piso para aparecer en una cierta parte del tórax”.

El puente de mando de la nave, que está en el interior de la cabeza de Dave, fue construido en un foro de Los Ángeles. El puente de mando medía 9 metros de altura, por 9 metros de largo y 9 metros de ancho. Griffith diseñó los pasillos de la nave como si fueran tubos vasculares humanos, usando el color azul para las venas y el color rojo para las arterias.

El supervisor de efectos visuales ganador del Oscar® Mark Stetson (“Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring”) ayudó a crear algunos de los sets más grandes de la película, uno de los cuales ve andar sueltos al mini-Capitán y a #3 (recuerda, miden aproximadamente 4 centímetros de altura) por las calles de Nueva York. Deberán transitar este mundo extraño y ominoso —y, para ellos, monumental— conocido como Times Square. (Cuando un perro orina en un hidrante, el Capitán y #3 deberán huir de los efectos parecidos al de un tsunami).

Para estas escenas intensivas de efectos visuales, Eddie Murphy, nuevamente, estuvo a la altura de las circunstancias. Su director, Brian Robbins, no estaba sorprendido. “Bueno, Eddie es impresionante”, dice maravillado Robbins. “Digo, puede actuar ante cualquier cosa —incluso un tripié y una pelota de tenis [que, en el set, fungieron como dobles a los que más tarde se les añadirían los efectos visuales]. No necesita de mucho a partir de donde actuar. Sólo dices ‘acción’, y ahí está”.



ACERCA DEL REPARTO

EDDIE MURPHY (Dave) es el actor afroamericano más exitoso comercialmente en la historia de la industria cinematográfica, y es uno de los cinco intérpretes más taquilleros de la industria. Murphy se encuentra en una lista muy pequeña de actores que han protagonizado múltiples películas que recabaron más de $100 millones de dólares en taquilla en las últimas tres décadas, desde “Beverly Hills Cop” (Un Policía Suelto en Beverly Hills) hasta “Daddy Day Care” (La Guardería de Papá). También fue la voz de Burro en la película animada ganadora del Oscar® “Shrek” y en “Shrek 2”, que es la película animada que más taquillera de todos los tiempos.

Murphy comenzó su carrera como comediante de centros nocturnos hace 25 años. En 1980, a la edad de 19 años, se unió al reparto de “Saturday Night Live”, y desde entonces estableció una exitosa carrera en la pantalla grande.

Sus películas han estado entre las comedias más taquilleras de la industria, incluyendo “48 Hrs.” (48 Horas), “Trading Places” (De Mendigo a Millonario), “Dr. Dolittle”, “Coming to America” (Un Príncipe en Nueva York) y la franquicia de “Beverly Hills Cop” (Un Detective Suelto en Hollywood).

En 1996, Murphy interpretó a siete personajes distintos en el exitazo taquillero mundial “The Nutty Professor” (El Profesor Chiflado), por la que recibió otra nominación al Globo de Oro. En la secuela, “Nutty Professor II: The Klumps”, coprotagonizada por Janet Jackson, le agregó un personaje para interpretar un total de ocho. Sus películas más recientes incluyen “Dr. Dolittle 2”, “Daddy Day Care” y “The Haunted Mansion” (La Mansión Embrujada).



ACERCA DE LOS REALIZADORES

BRIAN ROBBINS (Director) es mejor conocido por escribir, producir y dirigir importantes programas de televisión y éxitos taquilleros. Hasta la fecha, sus películas han recabado casi $900 millones de dólares a escala mundial.

Actualmente, Robbins se encuentra en la preproducción de “Wild Hogs 2” y en la producción de “A Thousand Words”, para DreamWorks, donde nuevamente vuelve a hacer mancuerna con Eddie Murphy.

Los éxitos taquilleros de Robbins incluyen “Wild Hogs” (Rebeldes con Causa), que Robbins produjo, y que fuera protagonizada por Tim Allen, John Travolta, Martin Lawrence y William H. Macy; y “Norbit”, que Robbins dirigió, además de haber sido productor ejecutivo, y que protagonizaron Eddie Murphy y Thandie Newton, para DreamWorks. Robbins también dirigió el exitazo taquillero “Varsity Blues”, para Paramount; la prestigiosa nueva versión de Disney de “The Shaggy Dog” (El Perro Humano), protagonizada por Tim Allen; “The Perfect Score”, para Paramount; “Hardball” (El Reto), protagonizada por Keanu Reeves, “Ready to Rumble”, y “Goodburger”, basada en un popular segmento del exitoso programa de televisión “All That”, donde aparecía Kenan Thompson, para Nickelodeon.


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SOBRE-NATURAL una pelicula de Stephen King

Victor Hugo Juarez

guatemalanoticias@gmail.com







SINOPSIS







En un pequeño pueblo de Maine, estalla una violenta tormenta que termina tan bruscamente como comenzó. Entonces aparece una espesa niebla que va entrando y atrapando a la gente en sus hogares, supermercados, fruterías, etc… y va matando a todo aquel que se adentra en su oscuridad.







David Drayton y su joven hijo Billy estan junto a un grupo de aterrados habitantes del pueblo que están atrapados en la frutería rodeados por una misteriosa niebla. David es el primero en darse cuenta que de que hay “cosas” escondidas en la niebla, costas mortales y horribles, criaturas que no son de este mundo. La supervivencia depende de la unión de todos los que se encuentra en la tienda, pero esto será posible considerando la naturaleza humana?







Mientras la razón queda olvidada y el miedo y el pánico se apoderan de todos los ahí atrapados, David comienza a pensar que lo aterroriza más: los monstruos escondidos en la niebla o los humanos atrapados junto con él en la tienda, los “humanos”, la gente que hasta ahora han sido sus amigos y sus vecinos.







Es un cuento de terror legendario de la pluma del maestro Stephen King, la línea de la civilización es tan delgada que a veces se olvida, las máscaras se quitan y el verdadero terror se nos revela.







SOBRE STEPHEN KING







Stephen King nació en Portland (Maine), es de ascendencia escocesa. Cuando tenía dos años de edad, su padre abandonó la familia. Ruth (madre de King) lo crió junto a su hermano mayor David por su cuenta, algunas veces bajo grandes problemas financieros. La familia se mudó a Durham, pueblo donde nació Ruth, pero también pasaron algún tiempo en Fort Wayne (Indiana) y Stratford (Connecticut). Estudió en Durham Elementary School y Lisbon High School.







Cuando era niño, King presenció un espantoso accidente – uno de sus amigos quedó atrapado en unos rieles y fue arrollado por un tren.Aunque este hecho podría haber inspirado las oscuras creaciones de King, el mismo escritor desecha la idea.







King empezó a escribir desde una temprana edad. En la escuela escribía historias basadas en películas vistas recientemente y las vendía a sus amigos. El negocio no fue bien visto por sus profesores, quienes le obligaron a devolver sus ganancias cuando lo descubrieron. Las historias eran copiadas con la misma máquina que su hermano utilizaba para publicar su periódico llamado "Dave's Rag". Éste trataba temas locales, y King contribuía la mayoría de las veces en el proyecto. A los trece años de edad aproximadamente, descubrió en la casa de su tía una vieja caja con libros de su padre, la mayoría de terror y ciencia ficción. Estos géneros le llamaron la atención desde el primer momento.







Entre 1966 y 1971, King estudió inglés en la Universidad de Maine, en Orono y escribió una columna titulada "King's Garbage Truck" en la revista de la universidad. Conoció a Tabitha Spruce y se casaron en 1971. King tomó trabajos de medio tiempo para poder pagar sus estudios, incluso en una lavandería. Usó la experiencia vivida para escribir la historia The Mangler. Su vida en la universidad se ve representada claramente en Hearts in Atlantis.







Después de terminar sus estudios universitarios con una licenciatura en arte en inglés y obtener un certificado para poder enseñar en secundaria, King enseñó inglés en Hampden Academy (Hampden). Durante este periodo, él y su familia vivieron en un remolque. Escribió historias cortas (la mayoría publicadas en revistas para hombres) para poder satisfacer las necesidades de su familia. Según dice la introducción de Carrie, si uno de sus hijos sufría un resfríado, Tabitha hubiera dicho bromeando, "Vamos Steve, piensa en un monstruo". King comenzó a tener problemas de alcoholismo que mantuvo durante una década.







Durante este periodo, comenzó a escribir un gran número de novelas. Una de sus primeras ideas fue la de un joven con poderes psíquicos. Sin embargo, se sintió desalentado, y la tiró a la basura. Tabitha rescató el trabajo y lo animó a terminarlo. Después de finalizada la novela, la tituló Carrie y la mandó a la compañía editora Doubleday, al pasar el tiempo se olvidó de ella. Más tarde, recibió una oferta de compra por 2.500 dólares de adelanto (no un gran adelanto para una novela, incluso en ese tiempo). Poco tiempo después, el valor de Carrie con los derechos del manuscrito fueron vendidos por 400.000 dólares (200.000 de los cuales recibió el editor). Después del lanzamiento, su madre murió de cáncer uterino, pero logró leer la novela antes de morir.







Después de la publicación de The Tommyknockers, la familia y amigos de King decidieron ayudarlo con sus vicios, le mostraron su propia basura para que se diera cuenta del nivel de adicción que había alcanzado: latas de cerveza, cigarrillos, cocaína, xanax, valium, nyquil, eran algunas de las cosas que había. Solicitó ayuda y abandonó toda forma de alcohol y drogas a finales de los años 1980.







Los personajes en los libros de King han ido evolucionando al pasar de los años:







Sus primeros trabajos (Carrie, The Shining, The Stand), mostraban a familias de la clase trabajadora quienes debían luchar contra problemas financieros. A finales de los años 1980, sus trabajos presentaban personas de clase media como profesores o autores. A finales de los años 1990, los personajes eran pilotos de aviones, escritores o de algún otro trabajo parecido.







En el verano de 1999, King se encontraba en mitad de la novela titulada On Writing: A Memoir of the Craft. En ese periodo había terminado la sección de memorias y había abandonado el libro durante dieciocho meses, debido a la inseguridad acerca de como proceder o de si iba a molestar a terceros. King relata que fue el primer libro que tuvo que abandonar desde que escribió The Stand décadas atrás. Habiendo tomado la decisión de continuar con el libro, el 17 de junio, escribió un lista de preguntas que le habían hecho con frecuencia sobre su forma de escribir, al mismo tiempo que otras que le hubiera gustado que le hubieran formulado; el 18 de junio, escribió cuatro páginas de la susodicha sección.







El 19 de junio, a las 4:30 de la tarde aproximadamente, King caminaba por el carril derecho de la ruta 5 en North Novell. El conductor Bryan Smith, distraído por un rottweiler incontrolado que se movía en la parte trasera de su coche marca Dodge Caravan de 1985, atropelló a King, quien aterrizó en una zanja de unos 4 metros de profundidad desde el pavimento de la carretera de la Ruta 5.







El ayudante del comisario del condado de Oxford, Matt Baker, grabó que los testigos dijeron que el conductor no conducía con exceso de velocidad ni con imprudencia. Baker también informó que King fue atropellado por detrás. En la página web oficial de Stephen King se menciona que esto no es correcto ya que King iba caminando de cara al tráfico.







King estaba lo bastante consciente para dar los números de teléfono de su familia al ayudante del comisario para poder ponerse en contacto con ellos, aunque se encontraba sufriendo un dolor considerable. El escritor fue llevado en primer lugar al Hospital Northern Cumberland, para luego ser trasladado desde allí en helicóptero al Hospital Central de Maine. Sus heridas - el pulmón derecho colapsado, múltiples fracturas en la pierna derecha, laceración del cuero cabelludo y la cadera fracturada - le mantuvieron en el centro médico hasta el 9 de julio, casi tres semanas internado.







Ese mismo año King terminó la mayor parte de la novela From a Buick 8, en la cual uno de los protagonistas muere en un accidente automovilístico. De las espeluznantes similitudes con su propio accidente, King dice que intentó "darle demasiada importancia al suceso". La novela Misery, escrita en 1987, trata también sobre un escritor que experimenta heridas muy graves debido a un accidente de coche, pero la novela se centra fundamentalmente en la enfermedad mental de una devota seguidora que atiende al escritor.







Después de cinco operaciones en diez días y terapia física, King retomó en julio el trabajo donde lo había dejado en la novela On Writing, aunque se resentía todavía de su cadera y solamente podía sentarse unos cuarenta minutos antes de que el dolor se tornara intolerable. Su estado físico ha mejorado desde entonces.







El abogado de King y otras dos personas compraron la furgoneta de Smith por 1.500 dólares para impedir que fuera subastada a través de internet en eBay.







King utiliza la historia del accidente dentro de la séptima entrega de The Dark Tower.







CURIOSIDADES







• Stephen King tocaba la guitarra en la banda Rock Bottom Remainders pero no ha vuelto a tocar hace años. Entre los miembros se encuentran: Dave Barry, Ridley Pearson, Scott Turow, Amy Tan, James McBride, Mitch Albom, Roy Blount Jr., Matt Groening, Kathi Kamen Goldmark y Greg Iles. Ninguno de ellos dice tener talento musical. Eric Alterman relata un encuentro informal de la banda con Bruce Springsteen en el libro Bruce Springsteen, nacido para el rock (2004).



• King es un fan del grupo de rock AC/DC. Incluso hicieron la banda sonora de su película Maximum Overdrive.



• King es también un fan de la serie de televisión Lost. Y ha influenciado y colaborado en ella.



• En muchas de las películas basadas en sus obras se le puede ver interpretando papeles secundarios no acreditados (cameos).



• En 1997 Mick Garris dirigió una nueva versión de The Shining para televisión (más tarde editada en DVD). King no estaba contento con la primer adaptación de su novela, dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Jack Nicholson en 1980.



• Es un gran admirador de la saga de Harry Potter, hasta el punto de haberle rogado personalmente a la autora J.K. Rowling que no mate al personaje de Harry en la séptima y última entrega de la saga.







SOBRE LOS DIRECTORES FRAN DARABONT







Frank Darabont nació en un campo de refugiados en Montbeliard, Francia. Sus padres abandonaron Hungría después de la Revolución Húngara de 1956. Siendo todavía un bebé, su familia se trasladó a Estados Unidos.







Darabont entró en el mundo del cine a los 20 años. Una de sus primeras obras fue un cortometraje titulado "Dollar Baby" a partir de la adaptación de una novela de Stephen King (1983). A partir de este corto, King le concedió a Darabont los derechos para adaptar al cine su novela corta "Rita Hayworth and the Shawshank Redemption". Darabont rodó su primer largometraje en 1990. Se llamó "Buried Alive" y fue una película para la televisión por cable estadounidense. El éxito le llegó cuando en 1994 realizó la adaptación de la obra de King. La película se llamó " The Shawshank Redemption " y Darabont se encargó de adaptar el guión y de dirigirla. Por esta película Darabont fue candidato al Oscar al mejor guión adaptado, además de conseguir otra nominación en la categoría de mejor película. Sin embargo, no consiguió la nominación en la categoría de mejor dirección.







Antes de comenzar su carrera como director, Darabont ya había destacado escribiendo guiones de películas de terror entre los que se incluyen "A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors", "Twho Fisted Tales" o "The fly II". Además, ha escrito varios guiones para la serie de televisión de George Lucas y Steven Spielberg "The Adventures of Young Indiana Jones: Daredevils of the Desert".







Después de periodo de cinco años, Darabont volvió a dirigir en 1999. La película se tituló "Green Mile", y Darabont se encargó de escribirla, producirla y dirigirla. Como pasó con su anterior trabajo, la película estaba basada en una obra de Stephen King, y fue muy bien recibida por la crítica. Y como también pasó anteriormente, la película fue nominada a los Premios de la Academia en las categorías de mejor película y mejor guión adaptado, pero no consiguió la nominación en la categoría de mejor dirección. A esta película le siguió en 2001 "The Majestic", aunque esta película no tuvo tanto éxito como las anteriores.







Frank Darabont está considerado como uno de los guionistas con más talento de Hollywood, habiendo asesorado, por ejemplo, en los guiones de dos película de Steven Spielberg: "Saving Private Ryan" y "Minority Report".







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